PEC 2 ENTREGA FINAL

Collage:

Fotografía:

Historieta:

Diagrama:

Objetos cotidianos:

Hola

Os presento mi propuesta de actividades de dibujo expandido.

Parte 1. Cambio de soporte

En esta serie de actividades nos centramos en dibujar sobre o con un objeto o apoyo que no es habitual. En las distintas propuestas he utilizado como soporte de dibujo una mesa redonda de plástico azul en la que he dibujado con tiza, un monitor antiguo sobre el que también he utilizado una tiza para dibujar y una ventana en la que he dibujado con rotuladores acrílicos. Cada uno de estos objetos son cotidianos, aparentemente invisibles y tienen una función definida. Pero no los elegí por eso sino por su simbolismo. La mesa es un escenario de lo vivido. Se trata de una mesa que lleva con nosotros 18 años y que han usado y siguen usando mis hijos. El monitor antiguo es la frontera entre lo real y lo virtual. Y la ventana es otra frontera, esta vez entre dentro y fuera.

El lápiz no es tuyo
En la primera propuesta utilizo distintas tizas y una mesa redonda de plástico azul. Este dibujo sobre la mesa azul lo planteo como un acto de reivindicación, dando al lápiz un papel de símbolo de poder compartido, sostenido por varias manos que lo sujetan desde distintos ángulos. En el dibujo no se dice quién sostiene el lápiz, ni por qué. Por eso, he titulado a la propuesta «El lápiz no es tuyo».

La mesa ya no es solo donde se come o se trabaja, sino donde se construye algo colectivo, una especie de escultura social. Es un lugar de diálogo silencioso entre manos que no necesitan estar ordenadas, pero que comparten un propósito.

Usar la tiza la principal dificultad, pero se convirtió en parte del mensaje ya que nada aquí es definitivo sino que todo está en proceso, como un dibujo de especulación que cobra vida mientras lo creas.

Los referentes en los que me he basado son Berger, Nuri Güell, Iconoclasistas e Isidro López Aparicio.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

No estoy
Para la segunda propuesta elegí un monitor antiguo. La idea no es presentarlo como una reliquia tecnológica, sino como el umbral en el que esperamos esas respuestas que nunca llegan. Este monitor ya no transmite datos sino vacío. Y en ese vacío, las manos piden conexión para reclamar presencia. Dibujar sobre su superficie con tiza blanca fue la forma de desactivar su función habitual y convertirlo en un lienzo soporte de la ausencia. Uso este monitor para cuestionar la ilusión de conexión que nos vende la tecnología, del mimo modo que hace Fiona Banner al intervenir objetos con significado para problematizar la realidad.

La principal dificultad la encontré al trabajar sobre una superficie lisa y reflectante. La tiza resbalaba y se borraba a trazos. Curiosamente, esta imprecisión también encaja con el mensaje de la promesa de perfección que nos da lo digital, mientras que la vida misma o el dibujo son imperfectos. Me basé en la reflexión de Berger sobre el dibujo como acto de percepción activa porque esta propuesta no busca representar lo visible, sino hacer reflexionar sobre lo que se ha vivido, sentido o esperado. En este caso, lo vivido es la espera en sí, provocada por la desconexión, y el deseo de tocar algo que solo existe si hay señal.

He elegido el título «No estoy» porque plantea la duda de si se refiere a quien mira el monitor, a quien no responde o al alma del monitor que trata de salir de su carcasa. Lo que quería transmitir es que, en una sociedad en la que estamos permanentemente conectados, el hecho de decir no estoy es un acto de resistencia. No solo por la desconexión técnica en sí misma, sino por esa negación del rol adquirido, del hecho de tener que esta siempre disponibles porque existan capacidades para ello.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

El girasol que no gira
Para la tercera propuesta elegí como soporte un paraguas. En esta ocasión no es un refugio contra la lluvia sino el escenario circular en el que la luz y el movimiento podían hacer que algo naciera. La idea original de la experimentación es que fuese el disco de un fenaquitoscopio. Para ello, utilice rotuladores acrílicos para dibujar los ocho fotogramas del girasol abriéndose. Fue una forma de convertir un objeto funcional en una máquina de tiempo que permitía observar aquello que el mundo nos obliga a pasar por alto. Al final no pude comprobar su utilidad como fenaquitoscopio porque no conseguí encontrar la velocidad de giro adecuada del paraguas coordinada con el disco con las ranuras que permiten hacer el efecto de movimiento debida a la persistencia de la retina. Aquí puede verse un vídeo de la animación esperada creada digitalmente.

Dibujar directamente con rotulador acrílico, ha hecho que fuese más difícil corregir algunos errores debido a que tenía que esperar a que la pintura secase completamente para poder pintar encima.

He elegido el título «El girasol que no gira» porque incluye dos ideas. La primera porque conecta con Berger y el dibujo como acto de atención y observación lenta. La segunda por la impotencia sufrida al no encontrar el giro necesario para que funcionase como fenaquitoscopio. Aunque esta segunda idea es más personal y un espectador no la pensaría salvo que supiera mi idea original relacionada con la animación.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Parte 2. Expansión de la superficie

En esta actividad se pide dibujar sobre sobre un espacio o entorno para experimentar con el poder transformador del dibujo directamente aplicado al entorno. De esta forma, las propuestas serán parte del espacio y adquirirán la posibilidad de ser transitables. Presento tres intervenciones del espacio cotidiano en una ventana, el suelo y un espejo. Para cada uno de estos soportes propongo una situación en la que se hace visible lo invisible. En «La distancia que nos une», la ventana se convierte en diagrama crítico de la paradoja de la comunicación moderna, inspirada en Berger y Schiele, donde manos rotas y una sombra solitaria hablan de conexiones fallidas. En la propuesta «¿Qué pasó con la silla?», el suelo actúa como testigo mudo de un suceso no contado, usando referentes como William Kentridge. Y en «Huellas imborrables», el espejo deja de reflejar para pasar a recordar, usando capas y transparencias, como Brigitte Waldach, mientras pone de manifiesto la inestabilidad humana que Isidro López-Aparicio explora en sus proyectos. Las tres son dibujos expandidos que borran la línea entre trazo y objeto de manera que ambos son protagonistas.

La distancia que nos une
Para la primera propuesta, planteo una representación de lo que no se dice. Quería convertir el cristal de la ventana en un soporte para hablar de una verdad incómoda: vivimos cerca unos de otros, pero preferimos estar conectados por cables invisibles.
La técnica que utilizo es con rotuladores acrílicos sobre plástico adherido al vidrio, ya que esto me permitió intervenir sin dañar, pero sin perder la obligatoriedad de trabajar con la misma precisión y cuidado que si lo hubiese hecho directamente sobre el cristal. Dibujé tres parejas de manos: una conecta la casa con la antena en la montaña; otra intenta llegar a la casa vecina desde la antena, pero se rompe en el aire; y la tercera solo está conectada con la antena, sin mano al otro extremo. Encima de la antena, la sombra de una persona sentada en una silla, con la cabeza entre las manos, con un gesto de derrota y cansancio. Representa la paradoja en la que se encuentra la antena viendo a la gente vivir tan cerca y comunicándose por medio de señales.
El objetivo de esta intervención no es decorar la ventana con pegatinas sino diseccionar la realidad, como decía Berger, y poner de manifiesto que la antena, creada para conectarnos, se convierte en un símbolo de distanciamiento.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Vídeo del proceso de dibujo

¿Qué pasó con la silla?
Para la segunda propuesta planteo una escena que se activa cuando la silla se rompe. El cuerpo que aparece debajo, con su pierna extendida, no pretende ser un retrato, sino un rastro de lo que sucedió. El suelo es testigo de lo sucedido, por eso lo elegí como soporte. Es donde caemos, donde nos quedamos, donde dejamos huella. Por tanto, la silla rota no es un accidente es la condición necesaria para que lo invisible, quién rompió la silla, se haga visible. Berger afirma que el dibujo es un documento autobiográfico que presenta el descubrimiento de un suceso, ya sea visto, recordado o imaginado. Por eso, esta propuesta no habla de lo que se rompe, sino de lo que queda. Y lo que queda es una pregunta: ¿quién rompió la silla? ¿por qué lo hizo? De aquí el título de la propuesta.
En cuanto a la técnica, al igual que en el caso anterior, utilicé rotuladores acrílicos sobre plástico adherido a la madera. Así pude intervenir sin dañar el suelo, pero trabajando con el mismo cuidado para conseguir la perspectiva que necesitaba mirando hacia abajo, como quien observa un recuerdo. Berger también decía que el dibujo exige coordinar y medir no por pulgadas, sino por ritmo y volumen. Esto fue sin duda lo más complicado y tuve que hacer varias pruebas en papel antes de conseguir lo que quería.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Huellas imborrables
Para la tercera propuesta presento un dibujo de pompas sobre un espejo que interrumpen su reflejo. Las pompas no flotan sino que forman parte del cristal como si fueran huellas de algo que ya pasó, pero que aún persiste. Elegí el espejo porque refleja y oculta a la vez. Al intervenirlo con rotuladores acrílicos, se convierte en una superficie donde lo real y lo imaginado quedan entrelazados, alterando la mirada. Este espejo ya no devuelve tu imagen sino que la mezcla con el recuerdo de lo que quedó flotando cuando te fuiste.
La técnica que he usado es acrílico sobre plástico adherido al vidrio para hacer la intervención sin que fuese permanente. Necesitaba trabajar con la transparencia de las pompas y las capas de unas sobre otras para que estas parecieran flotar sin romper la reflexión. La dificultad estuvo en equilibrar el color y el trazo para que no tapasen completamente el reflejo del espejo, sino que dialogasen con él complementándolo. Me basé en Brigitte Waldach que utliza trazos con voladuras y capas.

Elegí el título «Huellas imborrables» porque, aunque las pompas sean efímeras por naturaleza, en mi propuesta no lo son. Se han convertido en rastros y testimonios de lo que ya no está. Son huellas que no borran el tiempo, el agua o la ausencia de imagen a reflejar.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Parte 3. El cuerpo como huella.

En esta actividad se pide convertir el propio cuerpo, o una parte de él, en herramienta o soporte, de manera que sea parte tangible y conceptual del proceso creativo. Además, se pide ir más allá de la inmediatez de la huella dactilar y las marcas de las manos para explorar con amplitud las partes del cuerpo como generadoras de rastros.
Para las tres propuestas que hago me basé en la técnica de David Hammons y sus Body Prints, donde el cuerpo es la herramienta activa del dibujo. Para ello, elegí la vaselina por su textura grasa y su capacidad para marcar lo invisible. La técnica consiste en untar vaselina en la parte del cuerpo que voy a imprimir para, después, dejar que el peso, la presión, la tensión muscular y el gesto actúen. Los detalles de la huella resultante surgen sin estar planeados. Sobre esas huellas de vaselina, aplico tizas de colores que intensifican los matices y crean una tensión cromática que hablan de fuerza contenida, cercanía deseada y alcanzada o de miedo.

Pulso
En la primera propuesta presento una escena de fuerza contenida que registra dos brazos echando un pulso. En ambos, los antebrazos están en tensión, en el falso equilibrio que tiene el pulso. Con la técnica de vaselina y tiza de Hammons capturé el gesto de los antebrazos en tensión que, aunque no se aprecia del todo, creo que puede sentirse la competencia silenciosa a ver quién puede más.
Tuve que hacer varias pruebas para encontrar el punto justo entre la presión y la delicadeza para que luego la tiza de color no desbordase. La dificultad estuvo en conseguir que los colores azul y rojo no se mezclasen en las palmas de las manos y se transmitiese la sensación una mano sobre otra.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Beso
En la segunda propuesta presento el registro del acto íntimo que supone un beso como contacto, como presión y como transferencia. Es una rastro de contacto con dos caras que se tocan con los labios y la piel y que dejan en el papel la huella de ese momento. En este caso, unté vaselina en la parte de la cara que iba a imprimir y dejé que el cuerpo actuase porque, al frotar la cara contra el papel, lo que queda es una presencia. Las tizas azul y roja, aplicadas después sobre la huella grasa, intensifican los matices creando la tensión cromática que habla de cercanía deseada y alcanzada.
La dificultad estuvo en coordinar el momento del contacto ya que el beso no puede ser simulado ni repetido, al igual que el resultado no se puede corregir. La idea es que fuese real, breve e irrepetible. Tuve que experimentar varias veces hasta que conseguí lo que quería. Y eso fue lo más interesante porque el dibujo no nació del control, sino del abandono y el azar.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Miedo
En la tercera propuesta propongo un gesto físico de encierro. La cara, impresa en el centro, está dentro de sí misma. Los antebrazos, impresos rodeándola, se extienden hacia arriba y al centro como si fueran paredes invisibles. Simbolizan los límites que ponemos entre nosotros y el mundo en un gesto contención, como si el cuerpo estuviera informando de que este es su territorio y no puede ir más allá.
La dificultad en este caso estuvo en cómo colocar las distintas impresiones para luego espolvorear la tiza y coordinar el gesto. Este trabajo es el que más proporción de lienzo ocupa y tenía que asegurar que todo encajaría. En cuanto a la impresión de la cara, tuve que hacer varias pruebas para encontrar la velocidad justa a la que debía hacer la impresión para que la vaselina impregnase correctamente la imagen de la cara y quedase uniforme.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Reflexión final
Esta actividad ha sido sin lugar a dudas la que más me ha costado realizar de lo que llevamos de asignatura. No por la cantidad de dibujos sino más bien por las pruebas necesarias, experimentos, ideas desechadas porque no funcionaban o porque no conseguí que fuesen realizables con mis capacidades, nivel y entorno. Pero, a la vez, es con la que más he aprendido a utilizar todo lo que hemos visto en las actividades anteriores y, sobre todo, a investigar antes de ponerte a crear y a empezar con una idea pequeña sin saber a dónde vas a llegar o si será algo grande.

Esta actividad ha sido, sin lugar a dudas, la que más me ha costado realizar en toda la asignatura. No por la cantidad de dibujos, sino por todo lo que hay detrás. Las pruebas, los intentos fallidos, las ideas que tuve que abandonar porque no funcionaban, o porque estaban fuera de mi alcance por conocimientos técnicos, materiales o mi entorno. Hubo momentos en los que sentí que no avanzaba y que cada paso era un vuelta atrás. Pero ahí fue seguramente donde más aprendí.

Esta actividad me obligó mucho más a salir del dibujo como copia, como ejercicio técnico, y adoptar un papel de búsqueda. Aprendí a investigar antes de actuar, a planificar desde la incertidumbre de no saber a dónde iba a llegar, a empezar con una idea pequeña, a veces un simple un gesto, sin saber si me iba a conducir a alguna parte o si lo que quería transmitir sería visible para otros.

Y eso fue una liberación. Descubrí que crear es aceptar el camino aun sin tener claro el resultado. Me quedo con que muchas veces, lo más valioso no es el resultado, sino lo que cambias mientras lo haces. En estas actividades he visto cómo los errores se convierten en aciertos inesperados. Cosas que no salieron como quería, pero que me enseñaron a mirar desde otro punto de vista.

A lo largo de la asignatura he aprendido que el dibujo no empieza cuando coges el lápiz. Empieza cuando decides crear dejando un rastro que no sabes donde te va a llevar.

¡Hola!

A continuación adjunto los experimentos de los tres bloques trabajados de dibujo expandido.

1. CAMBIO DE SOPORTE

En este bloque el objetivo fue explorar cómo el soporte condiciona y transforma el significado del dibujo, alejándolo del papel como superficie neutra.

Experimento 1. El ojo en el árbol.

Quise establecer una relación entre elemento orgánico vivo y mirada. La madera conserva la memoria del crecimiento

Materiales: madera (rodaja de una rama de árbol cortada en temporada de poda), acrílico.

Proceso:

Experimento 2. Origen

Intenté hacer referencia directa al origen del dibujo utilizando la piedra como soporte primitivo y jugando entre arte prehistórico, imitando los bisontes de Altamira,  y gesto contemporáneo.

Materiales: piedra, lápiz blanco y acrílico.

Proceso:

Experimento 3. Dibujo expandido hacia lo cotidiano

En este experimento quise llevar el dibujo a algo vestible, cotidiano, usado, móvil (de hecho me los pongo para salir). También quise jugar contrastando escalas (dragón grande / mariposa pequeña).

Materiales: Pantalón vaquero, rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

2. EXPANSIÓN DE LA SUPERFICIE

En este bloque disfruté mucho experimentando e intententando que el dibujo dejara de ser un objeto autónomo y pasara a formar parte del espacio, modificando la percepción del entorno.

Experimento 1. Mariquita enchufada

Comencé con este dibujo que dialoga con un elemento real, el enchufe, haciendo que el espacio cotidiano se reinterprete a través del dibujo. Asímismo quise acentuar la ironía entre naturaleza y tecnología.

Materiales: rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

Experimento 2. Alguien me observa…

En el siguiente experimento quise simular una grieta en las baldosas del baño con dos ojos observando. A partir de entonces el espacio parecía mirar al espectador generando inquietud y conciencia del entorno.

Materiales: rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

Experimento 3. El mejor juguete para dejar de jugar

Mi intención en este experimento es, aunque dibujado en papel, ocupar el espacio tridimensional integrándose en el espacio a la vez que interactúa con objetos reales, utilizando el dibujo como herramienta para plantear una reflexión crítica sobre el consumo tecnológico infantil.

Materiales: papel reciclado, lápiz, rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

Experimento 4. Eres grande, pequeño

Con este perro salchicha extensible, también en papel, intenté que cambiara según la acción del espectador, en este caso el espacio (armario) activa el dibujo.

Materiales: papel reciclado, lápiz, rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

Experimento 5. En buena compañía

En el siguiente dibujé otro perro, esta vez en el espejo de un baño. El dibujo solo existe plenamente con el espectador, jugando entre reflejo, compañía y presencia.

Materiales: Espejo, rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

3. EL CUERPO COMO HUELLA

En este bloque experimenté que el cuerpo no es solo soporte plano, el gesto y la postura generan forma, el dibujo se adapta al movimiento y a la anatomía.

Con el dibujo caracol usé la curvatura natural de los dedos

Con el elefante integra el dedo como trompa

Con el osito conecta cara y cuello, ampliando el espacio del dibujo

También quise hacer un experimento final intentando abarcar el cuerpo como huella y el cambio de soporte.

Experimento 1. Caracol

Materiales: pintura maquillaje.

Proceso:

Experimento 2. Elefante

Materiales: pintura maquillaje.

Proceso:

Experimento 3. Osito

Me gustó explorar los cambios de postura; al estirar el cuello o girar la cabeza, el dibujo del osito adquiría más movimiento y expresión.

Materiales: pintura maquillaje.

Proceso:

Experimento 4. La huella

Para terminar quise hacer un experimento final intentando abarcar el cuerpo como huella y cambio de soporte.

A través de las huellas dactilares quise trabajar la idea del rastro humano como forma primaria de dibujo.

La huella, única e irrepetible, se plantea como un dibujo no figurativo cargado de identidad. Al realizarla sobre distintos soportes busqué vincular la presencia humana con el tiempo: la piedra remite a lo antiguo, el tarro de cristal a la contemporaneidad y la lata de aluminio a la industria, conectando así memoria, cuerpo y materiales a lo largo de la historia.

Materiales: piedra, cristal, lata de aluminio, acrílico

Proceso:

Gracias.

Entrega parcial 1 Dibujo y Expresión Gráfica

Proyecto Personal

Introducción

Mi proyecto personal unirá mis dos pasiones: el arte y la naturaleza.

Mi objetivo es ilustrar y enmarcar elementos naturales dentro de su mismo contexto, para, a través del uso de imágenes simplificadas, representar diferentes tipos de elementos que componen el paisaje. Conceptualmente, me gusta el hecho de poder entregar una imagen sencilla que compacte la inmensa complejidad de la naturaleza. Es cuestión de contrastes: una ilustración de una hoja hecha encima de una cama de hojas secas tiene algo de obvio, esencial casi, pero nos obliga a cuestionar si lo que observamos día a día al pasar al lado de vegetación o de paisajes naturales lo apreciamos realmente.

Con éste ejercicio me gustaría transmitir el hecho de que, a pesar de su complejidad, la naturaleza nos atrae por su aparente simplicidad. Es un ejercicio de síntesis, de reduccionismo y del uso del entorno para ilustrar conceptos.

Para ello, pretendo usar los mismos elementos que me ofrezca la naturaleza (ramas, piedras, hojas…) para que la obra pueda conceptualizarse, crearse y permanecer en el mismo lugar sin intervenir en su destrucción. Sencillamente seguirá el mismo ciclo que el resto de la naturaleza, pero en otra forma.

El proyecto será un dibujo expandido (o varios), y será hecho en los bosques de Nueva Zelanda, concretamente en el área de Rotorua y alrededores, una zona con alta densidad de parajes naturales. Al hacerse en la naturaleza, quien lo encuentre lo verá, algo así como una exposición secreta. No será realizada en sitios muy turísticos ni muy obvios, ni será firmada. Solamente se realizarán fotografías para éste trabajo (finales, y del proceso).

Mis referente es Jon Foreman, un artista que se define como escultor, pero cuya obra tiene tanto de ilustración como de escultura, pues utiliza elementos naturales para crear majestuosas obras en playas del mundo, sin añadir nada que no estuviera previamente en el lugar:

A su vez, también me he inspirado a través del movimiento “Land Art” (o “Earth art”), creado en el 1960 que es precisamente el movimiento de hacer arte in situ con los mismos elementos naturales que ofrece la tierra. Algunos artistas de este movimiento son Robert Smithson y Nancy Holt:

Este es un boceto simple de lo que pretendo hacer, usando elementos del bosque que tengan contraste de color para crear una imagen aparentemente en 2D, jugando con la perspectiva:

Espero que os guste mi proyecto, espero que se parezca a lo que tengo en mente!

Hola

Os presento mi propuesta de Fanzine «Cronófagos».

La idea de este proyecto parte de la paradoja que sufrimos cada día sobre que vivimos rodeados de gente, pero nunca hemos estado más solos. El tema central es la soledad derivada de la esclavitud del tiempo, en el que este es el sistema opresor que rige nuestras vidas, rompe encuentros humanos y convierte las muestras de afecto en algo intermitente o casi imposible. Me interesa explorar cómo el ritmo que llevamos, y que nos hace ir siempre con prisa, siempre ocupados, impide el contacto de verdad con otras personas, incluida la familia, y cómo ese deseo de conexión se convierte en un gesto frágil que está muy condicionado por circunstancias externas.

Para tratar este tema, he elegido el formato fanzine por su potencial crítico y su carácter íntimo, personal y libre. Lo he titulado Cronófagos, jugando con la idea de que el tiempo no solo pasa, sino que devora lo que realmente nos hace humanos, como es el abrazo, la mirada o un silencio compartido. El fanzine tiene 8 páginas y un póster interior, dibujados con tres colores: negro, rojo y azul. Esta elección técnica de colores no es solo decorativa. Bajo una luz normal, el lector verá una narrativa gráfica similar a la de cualquier fanzine. Pero al iluminarlo con luces rojas y azules alternas, ciertos elementos del dibujo parecerán moverse o desaparecer y se crea una pequeña animación visual que refuerza el mensaje. Esta estrategia permite que el dibujo, en cierto modo, salga del papel y se transforme en una experiencia sensorial, donde el espectador no solo lee, sino que vive la tensión.

Lo entiendo como un proyecto de intervención crítica, aunque tenga cierto toque de dibujo bidimensional expandido, en el sentido de que el dibujo ya no es estático, sino que se activa bajo condiciones específicas de visibilidad. El dibujo se convierte en una herramienta que cuestiona un aspecto de la sociedad. Al combinar ilustración, experimentación con colores y juego de luces, el proyecto se mueve entre el arte gráfico, el cómic y una instalación mínima. De hecho, podría dibujarse cada página del fanzine en paneles enmarcados con luces LED rojas y azules alternas que hagan el efecto de animación, aunque la instalación sería más compleja y se perdería la capacidad de distribución que ofrece el formato fanzine.

La socialización del tema será directa, repartiendo copias del fanzine en espacios cotidianos como parques, bibliotecas, universidades y centros sociales y, además, compartiré videos del efecto de luz en redes sociales, siguiendo la idea del artículo de Víctor Lenore según la cual es mejor difundir los contenidos desde la calle o Internet que desde un museo, aunque este sea prestigioso.

En cuanto a referentes, me inspiro en Isidro López-Aparicio, quien utiliza el dibujo como una forma de autoafirmación en contextos precarios y en la noción de arte como proceso colectivo, donde el papel del artista es facilitar sin imponer. También me acerco a la idea de Rogelio López Cuenca, para quien el arte es útil por su capacidad de ser un problema, más que una solución, y de actuar como un campo de batalla simbólico; Patricio Forrester, cuyo trabajo en arte público y participativo busca mejorar la vida de quienes viven en situación de adversidad; y en Martha Rosler, cuya crítica al arte institucional me sirve para saber sobre dónde y cómo debe circular un mensaje político. A partir de estos referentes, he tratado de buscar una buena pregunta para que el fanzine sea la forma de hacerla.

Os dejo el proceso y un vídeo para que podáis ver el efecto con las luces. ¡Espero que os guste!

Salu2

Luis

Título: Lo que no se dice
Modalidad: Opción B2 serie de viñetas de dibujo crítico

Lo que no se dice es una serie de ocho viñetas que reflexionan sobre la idealización de la maternidad. El proyecto nace de la necesidad de cuestionar las imágenes y discursos que presentan la maternidad como una experiencia siempre positiva, plena y natural, dejando fuera otras vivencias que también forman parte de ella.

A través del dibujo y el texto, la serie muestra pensamientos y sensaciones que muchas veces no se expresan públicamente, como el cansancio, la culpa, la ambivalencia emocional o la pérdida de control sobre el propio cuerpo.

El proyecto no busca dar una respuesta cerrada ni decir cómo debería vivirse la maternidad. Su intención es abrir preguntas y generar incomodidad, mostrando que la experiencia materna se compleja y contradictoría. Las viñetas funcionan como fragmentos de una voz interior que se enfrenta a las expectativas sociales impuestas sobre las madres.

En lugar de un discurso moral o reivindicativo directo, el proyecto apuesta por una mirada crítica que invita a la reflexión desde lo íntimo y lo cotidiano.

Las viñetas están realizadas en blanco y negro, con una línea sencilla y expresiva. El cuerpo femenino aparece fragmentado o incompleto, como forma de representar la sensación de pérdida de identidad y de transformación que puede acompañar a la maternidad.

El texto es breve y directo, similar a pensamientos internos, y en algunos casos aparece tachado o reducido, haciendo referencia a lo que se silencia o no se dice en voz alta.

El proyecto se apoya en referentes del arte feminista y la gráfica crítica, especialmente en el trabajo de Nancy Spero, por su uso del cuerpo como espacio simbólico, y en prácticas de autoedición y fanzine feminista, que permiten una comunicación directa y accesible.

Las viñetas están pensadas para difundirse a través de redes sociales o en formato impreso, de forma que puedan circular fuera del aula. Esta difusión forma parte del proyecto, puesto que busca generar identificación y reflexión en otras personas.

Lo que no se dice propone ampliar la forma en que se representa la maternidad, dando espacio a experiencias que normalmente permanecen ocultas. El proyecto no pretende negar el amor materno, sino mostrar que éste convive con el cansancio, el duda y la contradicción, y que todas estas emociones también forman parte de la maternidad.

Este proyecto trata de representar diversas formas de materializar emociones. Las personas asumimos en muchas ocasiones que nuestra forma de sentir es universal, a priori nos puede parecer que el amor siempre lo situamos en el corazón y la ira en el estómago, por ejemplo. La idea de este proyecto es objetivar estas diferencias, y plasmarlas en una serie fotográfica.

Para ello, dos figuras realizadas en cartón simulando formas humanas, van a posicionarse frente a frente. Ambas tendrán dibujados diferentes órganos del cuerpo humano (cerebro, corazón, estómago…). Las emociones estarán escritas en cintas, con unas chinchetas en sus extremos.

El dibujo expandido consistirá en las figuras realizadas en cartón, un material básico, de un color neutro, los diferentes órganos serán representados con dibujos claramente identificables, y todas las cintas de las emociones serán del mismo color y características, para no añadir sesgos. La intervención va a consistir en que diferentes personas de mi entorno, coloquen esas cintas de muñeco a muñeco, sin preguntas, sin explicaciones.

La observación de este proceso puede ser también foco de análisis, en qué orden eligen las diferentes emociones, que tiempo tardan en situarlas, si expresan dificultad en la realización. Múltiples variables pueden ser consideradas, el sexo, la edad, el estado emocional del sujeto al realizar la intervención, la formación previa y un largo etcétera, lo que hace de este proyecto una ventana abierta a múltiples posibilidades.

En este caso, una foto collage final mostrará de qué manera representan diferentes personas las relaciones emocionales, el objetivo es reflexionar sobre la diversidad, y la dificultad que nos representa expresar y situar en el espacio un concepto tan abstracto como una emoción.

Propuesta de proyecto personal: Fanzine sobre fake news y desinformación digital

En este caso he decidido que mi proyecto consista en la realización de un fanzine gráfico de carácter crítico centrado en las fake news, los bulos y la desinformación digital en el contexto mediático actual. El objetivo principal del proyecto es reflexionar sobre cómo la sobreinformación, la viralidad de los contenidos y determinadas estrategias comunicativas influyen en la percepción de la realidad y en la construcción de la opinión pública.

El proyecto se desarrolla dentro de la opción B2 del enunciado, como una intervención gráfica crítica, y se materializa en un fanzine de ocho páginas. El formato del fanzine se elige por su sencillez, su carácter accesible y su vinculación histórica con prácticas de autoedición y comunicación alternativa. A través de una secuencia de páginas breves y directas, el fanzine propone una lectura crítica del consumo informativo cotidiano, especialmente en redes sociales y plataformas digitales.

Desde el punto de vista formal, el proyecto se plantea con una estética sencilla y experimental, utilizando dibujo manual y tipografía hecha a mano. Los materiales serán básicos: papel, rotulador negro, lapiz, carboncillo y algún color que destaque los detalles. No se busca un dibujo técnico o virtuoso, sino el uso del dibujo como herramienta conceptual y comunicativa, capaz de sintetizar ideas complejas mediante imágenes simples y textos breves, que lleguen de una manera directa al lector.

La estructura del fanzine se organiza de forma narrativa. La portada introduce el tema con la frase “Fanzine sobre fake news y la desinformación digital”. Las primeras páginas abordan la saturación informativa y el exceso de mensajes mediante la idea “Demasiadas voces, poco sentido”, así como el ruido, la duda y la viralidad de los bulos. A continuación, se reflexiona sobre el framing y el poder del lenguaje a través de la idea de que “las palabras cambian la realidad”, y sobre las verdades a medias y los diferentes ángulos desde los que se construye la información o como afectan las líneas editoriales de los medios de comunicación.

Las páginas finales se centran en el uso del miedo como estrategia comunicativa y publicitaria, la figura del influencer como publicidad disfrazada y, finalmente, el papel activo del espectador. El fanzine se cierra con una llamada a la reflexión crítica a través de las palabras “haz zoom, pregunta, piensa, duda”.

El proyecto se difundirá de forma digital y, si es posible, mediante impresión doméstica. Entre los referentes se encuentran la gráfica crítica contemporánea, el collage político y prácticas de comunicación visual vinculadas a la denuncia social y mediática.

Los dibujos que aporto son solo bocetos y pruebas de dibujo.

Portada:

Bocetos de páginas del fanzine:

Distribución de páginas:

REFERENTES:

Este proyecto quería poner el foco la identidad que utiliza el cuerpo femenino y su experiencia cotidiana como herramienta de análisis y transformación social. El proyecto parte de la necesidad de cuestionar cómo los espacios condicionan la manera en que las mujeres se mueven, se muestran y se perciben a sí mismas. Desde una perspectiva situada y feminista, la identidad se entiende como una construcción atravesada por el cuerpo, el contexto y la vivencia diaria.

Inspirado en Parkuir, proyecto de María Laudes y Laia Gimeno, un proyecto de mediación desde el humor donde toman la idea del desplazamiento consciente como gesto político, posicionan a las personas queer en un contexto de deporte donde siempre han sido excluidas. No se trata de reproducir el parkour como práctica deportiva, sino de observar y registrar cómo las personas queer negocian el espacio: esquivan, se detienen, aceleran o modifican su postura en función de la mirada externa, el miedo o la costumbre. Estas acciones cotidianas, normalmente invisibilizadas, se convierten en el punto de partida.

Mi proyecto en cambio  se desarrollará a través del dibujo expandido, focalizando la acción en la creación de la identidad, la reproducción de roles y como las mujeres se adaptan a contextos y se deforman el ser para encajar en lo que se espera de ellas. Mi practica se trata de observar y registrar cómo las mujeres negocian el espacio: esquivan, se detienen, aceleran o modifican su postura en función de la mirada externa, el miedo o la costumbre. Estas acciones cotidianas, normalmente invisibilizadas, se convierten en el punto de partida. Para ello quisiera represéntalo mediante intervenciones físicas en el espacio, como la colocación temporal de dibujos en muros, suelos o mobiliario, dialogando directamente con los lugares donde se originan las experiencias representadas. Y un fanzine que combine grafito, tinta y collage sobre papel, combinados con fotografía para constatar el acto.

La combinación de dibujo, acción y difusión busca activar una mirada crítica sobre la relación entre cuerpo femenino e identidad, desplazando el dibujo del ámbito íntimo al espacio público y digital como forma de resistencia visual.

Los referentes del proyecto incluyen María Laudes y Laia Gimeno, Hannah Altman, por su uso de la imagen como exploración identitaria; y Núria Güell, por su práctica artística de intervención crítica y posicionamiento político.

Buenas tardes, por aquí les dejo mi propuesta de proyecto final de esta asignatura.

En cuanto a las opciones he querido escoger la opción A2, realizar una exploración artística. He elegido esta opción debido a que coincide en un contexto personal perfecto, donde me veo creativa y capaz de elaborar un proyecto final de lo más interesante. 

Personalmente llevaba tiempo queriendo hacer un proyecto artístico como este pero no me había surgido la ocasión hasta ahora. Me encuentro en una etapa sensorial y mística, donde cada segundo de mi vida es reflejado en mis obras. Por ello, respecto al tema, he decidido realizar una exploración artística de la identidad a través del mosaico como herramienta visual. Utilizando así la abstracción como guía visual para elaborar con solidez mi idea.

Respecto al material, quiero reunir diferentes materiales sobre un soporte plano para construir una imagen de lo que sería mi identidad. Cada objeto representaría experiencias, creencias, valores,… todo ello llevado a lo personal. Para que mientras se vaya creando el mosaico se vayan entrelazando y creando así una imagen sólida. Como material iría mezclando distintas disciplinas como la pintura, la escultura e incluso el dibujo. Me gustaría utilizar tejidos, acrílico, carboncillo e incluso algún que otro material plástico reciclado, dependiendo de los colores para ir jugando con la imagen final. Asimismo, me gustaría socializar el tema a través de una cartelera de una exposición.

En cuanto a la dimensión, trataría de realizarla lo más bidimensional posible, excepcionando las texturas que pueda lograr con los distintos materiales. En ese caso acabaría siendo tridimensional, tal vez así pueda darle también más significado personal al proyecto.

Aquí dejo un boceto de lo que podría llegar a ser el proyecto.

Finalmente, respecto a los referentes he seguido varias ideas. 

Andando caminos. Ana Gabriela Carballo. 2022

Puentes. Nilda Zamudio. 2022

Reverberancia. Liliana Waisman. 2022

Bendiciones en el Eúfrates y el espíritu de civilización. Aydan Vatansever. 2022

Cielos nuevos y Tierra nueva. Cátia Usevicius Maia. 2022

Intramundo, serie lo que queda por crecer. Alejandra Torres López. 2022