DIBUJO EXPANDIDO

Cambio de soporte

Meditar como forma de revolución

Vivimos en un mundo rápido, con una sensación permanente de no llegar a todo, de dejarnos cosas importantes por el camino, si pestañeas te pierdes algo trascendental, y ¿sabes que? Es mentira. Siéntate, para, reflexiona, observa, medita, pierde el tiempo, abúrrete, te aseguro que no va a pasar nada importante, el mundo seguirá igual cuando te vuelvas a subir.

Para representar la dificultad de parar en tiempo de vorágine, he usado esta escultura, su rostro en calma contrasta con su cuerpo atado y tirando en múltiples direcciones.

La magia existe

Mientras pensaba en diferentes ejercicios, probaba, experimentaba, quise recrear el lenguaje de los emoticonos en objetos de mi casa a los que tengo cariño, de ahí surgió la idea de crear una historieta con mis plantas. En estas andaba yo, probando opciones, cuando recibí un mensaje de una gran amiga, le habían regalado unas plantitas de Lego, la foto que me había mandado era una reproducción bastante fidedigna de la que yo había hecho en ese justo momento.
Yo que iba a la búsqueda de una historia, la magia me encontró a mi.

Os echo de menos

Para este trabajo, estaba experimentando con materiales que uso a diario en mi trabajo, mientras pensaba en diferentes formatos, iba inflando guantes y para que no se cayeran empecé a entrelazar los dedos. Una sensación conocida y muy añorada me ha invadido, épocas donde trabajé con grandes amigos, tiempos de muchas risas, de algunos llantos y de amor del bueno. Ver esos guantes dándose la mano, me ha recordado lo afortunada que soy, y este montaje tan tan simple no ha requerido de más artificios, me ha tambaleado el suelo.

Expansión de la superficie

Cattelan en mi salón

Ando estos días queriendo revalorizar mis bienes, así que me aprovechado de estos ejercicios para recrear una obra carísima en la pared de mi comedor, he querido contrastar el poderío de su simbolismo con un material asequible como son unos gomets del bazar. Para empezar la subasta por mail privado.

Bendita la música que nos salvó

Retorciendo mis sesos para estos ejercicios, la música me acompaña todo el rato, en la ejecución canturreo sin parar, para los textos Debussy me inspira. Y una imagen ha asomado a mi cabeza, la mesa de mi comedor me ha servido de material, y recrea de manera muy gráfica lo que hace la música en mi propia persona.

Domingo de hechos

Muchos domingos me debato entre dos sensaciones, mi derecho a tocarme la barriga tranquilamente, y el pensamiento de debería moverme y este maldito sofá me tiene atrapada cual cadáver. Mi mente ha volado rápidamente a un capítulo de CSI Las Vegas, la cinta como prueba del delito, un cuerpo repanchigado consumiendo reels como yonki new age. Fin del caso.

El cuerpo como huella

Rutina de makeup

El culto actual a la imagen se disfraza de formas diversas, vida sana con el objetivo de enseñar tus músculos, 48 pasos de skincare diurno y nocturno, y por supuesto el maquillaje. Este ejercicio me ha llevado a reflexionar sobre cuanto hay de nuestra cara real en la imagen que proyectamos o cuanto de careta homologada, y sobre cuanto tardará en aparecer (si no lo ha hecho ya) alguna especie de mascarilla ya maquillada que solo tengamos que dejar caer sobre nuestro doblemente limpio rostro.

Monitos

Me complace mucho la tendencia que veo en algunos padres actuales, a respetar si su hijo es tímido, y prefiere no dar un beso a un completo desconocido. Recuerdo la infancia en los 80, y entiendo que muchas veces me sienta como estos monitos, programada para ser educada, no enfrentar nunca, ver sin mirar, oír sin escuchar y sobretodo no hablar, niña no contestes a esta señora, que es de mala educación.

Huellas

En esta era de huellas digitales, no puedo ocultar mi fascinación por el pie, los pasos, el camino, la huella real, en la arena, la huella metafórica, que dejamos a nuestro paso, cómo incidimos en las vidas ajenas, cómo tenemos la capacidad de poder alegrar el día a otra persona con nuestra elección de palabras, un gesto de cariño, una mirada amiga. Creo que hay que pensar más en esa huella diaria, y ejercer la revolución de la alegría.

PD: para todos los ejercicios he usado pintura acrílica, desaconsejo profundamente su uso alrededor del ojo :)

Ejercicios de dibujo expandido.

CAMBIO DE SOPORTE:

·      ESPEJO:

He realizado tres dibujos en el espejo:  el rostro de Billie Eilish con las lágrimas azules en vez de negras, un ojo coloreado justo debajo y finalmente, una espada medieval con su empuñadura que va desde la parte central a la parte baja del espejo. La intención al colocar la espada fue darle cierta forma similar a lo que podía ser un posible sarcófago.

Al principio pensé en colocar unas manos sujetando la empuñadura, pero no lo hice por temas de proporción (posición del rostro y que debajo hubiese dibujado el ojo), así que estos días he visto la posibilidad de dibujar en la zona más baja del espejo una roca, la intención es que parezca como cuentan la historia que solo la persona indicada podrá extraerla de la roca lo conseguirá. Cargando así de un significado mayor a la escena, ya que el rostro aparece con lágrimas, abriendo, por lo tanto, el camino hacia la metáfora o incluso, hacia una interpretación aún mas personal según quien observe.

 Al pasar por esa estancia de casa, ves como tu imagen se superpone con lo dibujado; por lo que puedes experimentar una fusión con el dibujo, o bien simplemente observar como lo dibujado cobra vida al fusionarse con el resto de los objetos presentes en el espacio, adoptando una postura más pasiva o activa dependiendo del observador o incluso, del propio momento.

·      HIELO:

He tratado de crear parte de esa naturaleza ardiente y a su vez cambiante que podemos observar junto a los volcanes, y para hacerlo, me he valido de una serie de moldes para postres que tenía en casa.

La idea inicial era crear un escenario de hielo, para posteriormente ir coloreando con diferentes pigmentos encontrados en unos colorantes alimentarios. Estos colorantes estaban en gel, no en polvo, por lo que dio un juego mayor a la hora de dibujar sobre el hielo.

Representación: el molde principal trata de ser en esta ocasión un volcán del que como se puede observar sale lava. Le rodean una serie círculos con unos agujeros en el centro que fueron utilizados para imitar una serie de piedras y estas, se han coloreado de marrón.

Más tarde, en la propia experimentación, mientras observaba como lo que dibujaba desparecía al poco tiempo y que, por lo tanto, tenía que estar añadiendo nuevamente colorante si pretendía mantenerlo, casi por azar, probé con el azul y sin querer vi que se creaba lo que parecía un ojo con su pupila azul. La tonalidad adquirida, pienso que hizo que casi me terminará convenciendo mas esta idea que la idea inicial del proyecto con el volcán.

·      REBANADA DE PAN TOSTADO:

dibujo sobre ella con salsa de soja, mermelada y diferentes salsas o líquidos.

No muestro ninguna foto porque he realizado pruebas pero no he fotografiado nada aún.

Tengo intención quizá de mezclar líquido con fruta por ejemplo para hacer una composición más interesante, pero esto es algo que he pensado en los últimos días y aún no lo he probado. Aún así, es una idea que también pienso introducir en este proceso de experimentación y por ello, quería comentarlo y dejar constancia por aquí.

No realicé fotos porque lo consideré en su momento como una prueba, pensaba repetirlo en estos últimos días para fotografiarlo, ya que es algo muy efímero, pero me ha resultado imposible ya que he vuelto a presentar algunos problemas de salud que me han llevado a realizar unas pruebas hospitalarias y el hecho de no contar con todas las horas disponibles del día, ha hecho todo algo más difícil.

·      PLÁSTICO DE EMBALAJE:

Pensé utilizarlo como si fuese un lienzo. Pintarlo con tinta china o acrílico, o tal vez, con una combinación de ambos; y después, mi intención es explotar solo algunas burbujas.

Pienso que cuando el dibujo se fracture podré conseguir efectos interesantes.

Tengo todo el material en casa, adjunto fotos, pero como he indicado anteriormente, estos últimos días no he podido llevar a cabo lo planeado, aún así, estos experimentos estarán presentes en la entrega final.

·      PLACA BASE:

He seleccionado una placa base de tamaño mediano con la intención de transformar chips, cables y estructuras en una ciudad.

Se puede observar por el momento, con lo que llevo realizado del trabajo, tres edificios y lo que será un cine junto a ellos.

Aún me queda por terminar los dos puentes que voy a colocar, hechos con cartón y pintados de rojo, más edificios de diferentes alturas, el cine y un pabellón central (el cuadrado de la derecha), donde tengo pensado que se realice un concierto.

Aun no sé si dejar los límites de la placa base tal y como está o cercarlos de alguna forma con algún tipo de muros. Igualmente no sé cómo enfocar el trabajo final. Puedo hacer una ciudad más realista o por el contrario jugar con los tamaños y hacer incluso a la propia ciudad como más pequeña aún y crear otro mundo tal vez más fantástico en una capa superior.

Esta idea me gustaría seguir trabajándola una vez terminado el proyecto. Pienso que de alguna forma son trabajos vivos y no creo que los considere terminados en estos proyectos actuales.

·      RED:

La intención aquí es conseguir un dibujo a través de la red, como si fuese un stencil la propia red. Colocarla en una superficie lisa y ver qué ocurre.

Como recientemente he conseguido esta matrícula, he pensado utilizar como superficie este objeto para ver qué sucede o qué experimentación puede llegar a alcanzarse.

Pongo foto de la red y de la matrícula.

EXPANSIÓN DE LA SUPERFICIE:

·      PAREDES:

He comenzado con diferentes latas de colores de grafitti a hacer diversos dibujos en las paredes del sótano.

Muestro una panorámica de lo que llevo realizado hasta ahora. Cuando comencé a dibujar, por la inmediatez que requería este dibujo, no fui realizando paradas para ir fotografiando. Por eso simplemente lo muestro para que se vea.

Posteriormente, para el ejercicio en cuestión que hay que presentar, seleccione un dibujo grande y de un solo color, para poder ir haciendo las paradas tranquilamente y fotografiar el proceso.

Tengo intención de una vez terminada la asignatura seguir con este proyecto. He pensado utilizar cada pared para un arte diferente, ahora estoy representando la música y posteriormente mi intención es aumentar y poder poner una de las paredes dedicada a la literatura, ya que soy escritora y me gustaría dejar constancia de mis pasiones aquí.

·      COLUMNA DEL SÓTANO:

Dibujo realizado con lápiz y carboncillos.

Aquí muestro el último plano secuencia de película “Nostalgia” de Tarkovski, uno de mis cineastas favoritos.

He seleccionado el plano general y final donde se contempla tanto al hombre, al perro, al reflejo en el charco, a la casa de madera y claro, finalmente, gracias a ese plano general, se puede observar la abadía italiana que se encuentra al fondo.

He disfrutado mucho con este proyecto. Comentar que aún no está finalizado.

Comencé poniendo simplemente el símbolo de las tuercas y la cuerda de la película de “Stalker”, de este mismo director y cuando me separé y vi la columna, fui ideando lo demás.

·      PUERTA DE GARAJE:

La idea aquí es crear una serie de dibujos con diferentes imanes.

En esta primera fase he tratado de reflejar la forma de un cohete, con un total de 50 imanes grises y redondeados. Pretendo continuar con esta idea inicial y conseguir un dibujo más armonioso.

Mi idea es realizar con esta actividad un dibujo más específico sobre el espacio. Tengo intención de dibujar planetas y estrellas. Como es algo que está en proceso aún, no sé qué me irá pidiendo el propio ejercicio cuando comience a pasar el tiempo y los días.

·      VENTANA:

La idea es realizar este experimento con cinta de carpintero. Crear un dibujo con ella.

En el cristal de una de las ventanas de casa he comenzado a dibujar con una cinta de carpintero o carrocero. He comenzado a cortar algunos trozos para el diseño.

Mi intención aquí es crear una casa, como ya se puede ver en esta imagen, a la que pienso añadir algunos detalles como las ventanas. Los palos de madera que se observan a ambos lados son postes de la luz. 

Pretendo crear esos cables de conexión entre los postes y poner en ellos algunos pájaros. También me gustaría añadir algunas aves en pleno vuelo. Me he detenido aquí porque aunque la idea la tengo, no tengo claro aún si lo ideal sería —para mantener dicha unidad— realizarlo solo con la cinta o habría alguna manera de introducir otros elementos. Me refiero para el cableado, para la luz o incluso, para añadir algo de la propia naturaleza, como puede ser  la hierba.

Pienso que lo presentaré con la cinta al final, pero como he dicho anteriormente, continuaré trabajando y perfeccionando cada uno de estos proyectos con el tiempo.

·      SUELO:

La idea en esta ocasión es crear diferentes dibujos infantiles con tizas de colores.

Hasta ahora, lo que llevo trabajado es lo que presento a continuación.

He dibujado una rayuela clásica (que a su vez forma parte de la instalación) con tizas gruesas de diferentes colores para las cuadrículas y para los números he empleado tiza blanca básica de menor grosor.

·      TIERRA:

Esta es una idea que aún está por realizar, pero he querido introducirla para que se tenga en cuenta, que formará parte de este proyecto final.

La idea es crear un mandala con tierra de base (la que utilizó en el jardín para las plantas) y posteriormente añadir ese color necesario del propio mandala, a través de una serie de objetos naturales (hojas, semillas, piedras).

No tengo aún muy claras algunas ideas necesarias para comenzar. He preparado por ahora un saco de tierra y estoy recolectando esos objetos naturales de la propia zona en la que vivo, estoy una zona rural y me permite seleccionar fácilmente dichos objetos.

Lo que aún no tengo decidido es donde ponerlo.

EL CUERPO COMO HUELLA:

·      EL CUERPO COMO SOPORTE:

Este ejercicio lo he puesto en práctica con una serie de pinturas corporales y faciales.

He tratado de hacer diferentes dibujos en mi propio cuerpo.

Aparecen en el torso y en mis brazos: pájaros, árboles invernales, un corazón y algunos ladrillos.

He disfrutado enormemente con su realización porque he trabajado previamente con este tipo de dibujo a la hora de representar diferentes performances en las presentaciones de mis poemarios.

Comentar que aquí en Folio solo muestro el resultado, en el trabajo final mostraré las fotos del proceso, que también las tengo.

·      EL CUERPO COMO HERRAMIENTA:

Mi idea aquí era formar una especie de monigote con barras luminosas fluorescentes y unirlo a mi cuerpo.

Y por lo tanto, crear efectos en la oscuridad.

Uní estas bandas, este monigote, y gracias a la oscuridad, me permitieron entre todas, crear diversos movimientos de la figura como si se tratase de un baile a raíz del movimiento de mi propio cuerpo.

Posteriormente, ideé algo más. Dibujar en la propia oscuridad al realizar movimientos con las barras luminosas y yo poder captar ese movimiento a través de la cámara.

·      LA SILUETA DEL CUERPO COMO HERRAMIENTA:

He pensado hacer lo siguiente: en un rollo de papel reciclado para cubrir o proteger el suelo, calcar mi propia silueta y más tarde, pintar dentro de ella elementos que me definan.

Este es otro de los proyectos que aún no he podido realizar.

igualmente, tengo los materiales preparados.

·      EL CABELLO COMO HERRAMIENTA:

He utilizado un mechón de mi pelo para formar a partir de él un pincel. Ya que lo he atado a un palito de madera con un hilo.

La intención es realizar un dibujo con él, realizar una silueta donde utilizaré principalmente las tintas de colores.

·      LOS PIES COMO HERRAMIENTA:

Tengo pensado poner polvo de tiza en los pies y bailar sobre un rollo de papel para que a través de una coreografía y el movimiento, quede el rastro marcado.

** ACTION painting: 

La idea es que través del movimiento del brazo, dar salpicaduras de pintura.

En un lienzo grande, estoy seleccionando fotos de la película de “Satantango”, del recientemente fallecido Belà Tarr, con la intención de pegar imágenes, después colocar una malla de red que tengo pensado quemar por partes y finalmente, haré esta técnica de salpicaduras que comento.

Comentar aquí como dato llamativo que he podido unir mediante dos ejercicios el taller de dibujo con el de escritura. He representado aquí a través de estos experimentos las películas de mis dos cineastas favoritos y esto me lo he llevado también a la redacción del ensayo que se nos ha solicitado esta navidad sobre el arte.

CAMBIO DE SOPORTE

Cambio de soporte. Dibujo sobre vidrio (copa). Flores dibujadas directamente sobre un objeto cotidiano.

PROCESO:

RESULTADO FINAL:

Cambio de soporte. Acuarela sobre papel de cocina. El dibujo del vaso de agua se transforma por la absorción del soporte, perdiendo definición y control.

PROCESO:

RESULTADO FINAL:

Cambio de soporte. Dibujo sobre bolsa de tela con pintura textil. El dibujo se transforma al plegarse y activarse con el uso del objeto.

RESULTADO FINAL:

EXPANSIÓN DE LA SUPERFICIE

Expansión de la superficie. Dibujo sobre ventana con rotulador para pizarra. El paisaje se superpone al entorno real, diluyendo el límite entre representación y realidad.

PROCESO:

RESULTADO FINAL:

Expansión de la superficie. Silueta humana fragmentada dibujada sobre post-it colocados en una puerta. El dibujo se adapta a la arquitectura.

PROCESO:

RESULTADO FINAL:

Expansión de la superficie. Dibujo realizado a partir de la sombra proyectada de una copa.

PROCESO:

RESULTADO FINAL:

CUERPO COMO HUELLA

Cuerpo como huella. Construcción de una imagen mediante huellas dactilares. El cuerpo actúa como herramienta directa, generando una forma reconocible sin trazo dibujado.

PROCESO:

RESULTADO FINAL:

Cuerpo como huella. Marcas realizadas mediante la presión del puño cerrado sobre el papel. El cuerpo actúa como herramienta generando huellas por contacto y fuerza.

PROCESO:

RESULTADO FINAL:

Cuerpo como huella. Registro del gesto corporal mediante el arrastre directo del dedo sobre el soporte.

PROCESO:

RESULTADO FINAL:

PEC 2 ENTREGA FINAL

Collage:

Fotografía:

Historieta:

Diagrama:

Objetos cotidianos:

Hola

Os presento mi propuesta de actividades de dibujo expandido.

Parte 1. Cambio de soporte

En esta serie de actividades nos centramos en dibujar sobre o con un objeto o apoyo que no es habitual. En las distintas propuestas he utilizado como soporte de dibujo una mesa redonda de plástico azul en la que he dibujado con tiza, un monitor antiguo sobre el que también he utilizado una tiza para dibujar y una ventana en la que he dibujado con rotuladores acrílicos. Cada uno de estos objetos son cotidianos, aparentemente invisibles y tienen una función definida. Pero no los elegí por eso sino por su simbolismo. La mesa es un escenario de lo vivido. Se trata de una mesa que lleva con nosotros 18 años y que han usado y siguen usando mis hijos. El monitor antiguo es la frontera entre lo real y lo virtual. Y la ventana es otra frontera, esta vez entre dentro y fuera.

El lápiz no es tuyo
En la primera propuesta utilizo distintas tizas y una mesa redonda de plástico azul. Este dibujo sobre la mesa azul lo planteo como un acto de reivindicación, dando al lápiz un papel de símbolo de poder compartido, sostenido por varias manos que lo sujetan desde distintos ángulos. En el dibujo no se dice quién sostiene el lápiz, ni por qué. Por eso, he titulado a la propuesta «El lápiz no es tuyo».

La mesa ya no es solo donde se come o se trabaja, sino donde se construye algo colectivo, una especie de escultura social. Es un lugar de diálogo silencioso entre manos que no necesitan estar ordenadas, pero que comparten un propósito.

Usar la tiza la principal dificultad, pero se convirtió en parte del mensaje ya que nada aquí es definitivo sino que todo está en proceso, como un dibujo de especulación que cobra vida mientras lo creas.

Los referentes en los que me he basado son Berger, Nuri Güell, Iconoclasistas e Isidro López Aparicio.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

No estoy
Para la segunda propuesta elegí un monitor antiguo. La idea no es presentarlo como una reliquia tecnológica, sino como el umbral en el que esperamos esas respuestas que nunca llegan. Este monitor ya no transmite datos sino vacío. Y en ese vacío, las manos piden conexión para reclamar presencia. Dibujar sobre su superficie con tiza blanca fue la forma de desactivar su función habitual y convertirlo en un lienzo soporte de la ausencia. Uso este monitor para cuestionar la ilusión de conexión que nos vende la tecnología, del mimo modo que hace Fiona Banner al intervenir objetos con significado para problematizar la realidad.

La principal dificultad la encontré al trabajar sobre una superficie lisa y reflectante. La tiza resbalaba y se borraba a trazos. Curiosamente, esta imprecisión también encaja con el mensaje de la promesa de perfección que nos da lo digital, mientras que la vida misma o el dibujo son imperfectos. Me basé en la reflexión de Berger sobre el dibujo como acto de percepción activa porque esta propuesta no busca representar lo visible, sino hacer reflexionar sobre lo que se ha vivido, sentido o esperado. En este caso, lo vivido es la espera en sí, provocada por la desconexión, y el deseo de tocar algo que solo existe si hay señal.

He elegido el título «No estoy» porque plantea la duda de si se refiere a quien mira el monitor, a quien no responde o al alma del monitor que trata de salir de su carcasa. Lo que quería transmitir es que, en una sociedad en la que estamos permanentemente conectados, el hecho de decir no estoy es un acto de resistencia. No solo por la desconexión técnica en sí misma, sino por esa negación del rol adquirido, del hecho de tener que esta siempre disponibles porque existan capacidades para ello.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

El girasol que no gira
Para la tercera propuesta elegí como soporte un paraguas. En esta ocasión no es un refugio contra la lluvia sino el escenario circular en el que la luz y el movimiento podían hacer que algo naciera. La idea original de la experimentación es que fuese el disco de un fenaquitoscopio. Para ello, utilice rotuladores acrílicos para dibujar los ocho fotogramas del girasol abriéndose. Fue una forma de convertir un objeto funcional en una máquina de tiempo que permitía observar aquello que el mundo nos obliga a pasar por alto. Al final no pude comprobar su utilidad como fenaquitoscopio porque no conseguí encontrar la velocidad de giro adecuada del paraguas coordinada con el disco con las ranuras que permiten hacer el efecto de movimiento debida a la persistencia de la retina. Aquí puede verse un vídeo de la animación esperada creada digitalmente.

Dibujar directamente con rotulador acrílico, ha hecho que fuese más difícil corregir algunos errores debido a que tenía que esperar a que la pintura secase completamente para poder pintar encima.

He elegido el título «El girasol que no gira» porque incluye dos ideas. La primera porque conecta con Berger y el dibujo como acto de atención y observación lenta. La segunda por la impotencia sufrida al no encontrar el giro necesario para que funcionase como fenaquitoscopio. Aunque esta segunda idea es más personal y un espectador no la pensaría salvo que supiera mi idea original relacionada con la animación.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Parte 2. Expansión de la superficie

En esta actividad se pide dibujar sobre sobre un espacio o entorno para experimentar con el poder transformador del dibujo directamente aplicado al entorno. De esta forma, las propuestas serán parte del espacio y adquirirán la posibilidad de ser transitables. Presento tres intervenciones del espacio cotidiano en una ventana, el suelo y un espejo. Para cada uno de estos soportes propongo una situación en la que se hace visible lo invisible. En «La distancia que nos une», la ventana se convierte en diagrama crítico de la paradoja de la comunicación moderna, inspirada en Berger y Schiele, donde manos rotas y una sombra solitaria hablan de conexiones fallidas. En la propuesta «¿Qué pasó con la silla?», el suelo actúa como testigo mudo de un suceso no contado, usando referentes como William Kentridge. Y en «Huellas imborrables», el espejo deja de reflejar para pasar a recordar, usando capas y transparencias, como Brigitte Waldach, mientras pone de manifiesto la inestabilidad humana que Isidro López-Aparicio explora en sus proyectos. Las tres son dibujos expandidos que borran la línea entre trazo y objeto de manera que ambos son protagonistas.

La distancia que nos une
Para la primera propuesta, planteo una representación de lo que no se dice. Quería convertir el cristal de la ventana en un soporte para hablar de una verdad incómoda: vivimos cerca unos de otros, pero preferimos estar conectados por cables invisibles.
La técnica que utilizo es con rotuladores acrílicos sobre plástico adherido al vidrio, ya que esto me permitió intervenir sin dañar, pero sin perder la obligatoriedad de trabajar con la misma precisión y cuidado que si lo hubiese hecho directamente sobre el cristal. Dibujé tres parejas de manos: una conecta la casa con la antena en la montaña; otra intenta llegar a la casa vecina desde la antena, pero se rompe en el aire; y la tercera solo está conectada con la antena, sin mano al otro extremo. Encima de la antena, la sombra de una persona sentada en una silla, con la cabeza entre las manos, con un gesto de derrota y cansancio. Representa la paradoja en la que se encuentra la antena viendo a la gente vivir tan cerca y comunicándose por medio de señales.
El objetivo de esta intervención no es decorar la ventana con pegatinas sino diseccionar la realidad, como decía Berger, y poner de manifiesto que la antena, creada para conectarnos, se convierte en un símbolo de distanciamiento.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Vídeo del proceso de dibujo

¿Qué pasó con la silla?
Para la segunda propuesta planteo una escena que se activa cuando la silla se rompe. El cuerpo que aparece debajo, con su pierna extendida, no pretende ser un retrato, sino un rastro de lo que sucedió. El suelo es testigo de lo sucedido, por eso lo elegí como soporte. Es donde caemos, donde nos quedamos, donde dejamos huella. Por tanto, la silla rota no es un accidente es la condición necesaria para que lo invisible, quién rompió la silla, se haga visible. Berger afirma que el dibujo es un documento autobiográfico que presenta el descubrimiento de un suceso, ya sea visto, recordado o imaginado. Por eso, esta propuesta no habla de lo que se rompe, sino de lo que queda. Y lo que queda es una pregunta: ¿quién rompió la silla? ¿por qué lo hizo? De aquí el título de la propuesta.
En cuanto a la técnica, al igual que en el caso anterior, utilicé rotuladores acrílicos sobre plástico adherido a la madera. Así pude intervenir sin dañar el suelo, pero trabajando con el mismo cuidado para conseguir la perspectiva que necesitaba mirando hacia abajo, como quien observa un recuerdo. Berger también decía que el dibujo exige coordinar y medir no por pulgadas, sino por ritmo y volumen. Esto fue sin duda lo más complicado y tuve que hacer varias pruebas en papel antes de conseguir lo que quería.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Huellas imborrables
Para la tercera propuesta presento un dibujo de pompas sobre un espejo que interrumpen su reflejo. Las pompas no flotan sino que forman parte del cristal como si fueran huellas de algo que ya pasó, pero que aún persiste. Elegí el espejo porque refleja y oculta a la vez. Al intervenirlo con rotuladores acrílicos, se convierte en una superficie donde lo real y lo imaginado quedan entrelazados, alterando la mirada. Este espejo ya no devuelve tu imagen sino que la mezcla con el recuerdo de lo que quedó flotando cuando te fuiste.
La técnica que he usado es acrílico sobre plástico adherido al vidrio para hacer la intervención sin que fuese permanente. Necesitaba trabajar con la transparencia de las pompas y las capas de unas sobre otras para que estas parecieran flotar sin romper la reflexión. La dificultad estuvo en equilibrar el color y el trazo para que no tapasen completamente el reflejo del espejo, sino que dialogasen con él complementándolo. Me basé en Brigitte Waldach que utliza trazos con voladuras y capas.

Elegí el título «Huellas imborrables» porque, aunque las pompas sean efímeras por naturaleza, en mi propuesta no lo son. Se han convertido en rastros y testimonios de lo que ya no está. Son huellas que no borran el tiempo, el agua o la ausencia de imagen a reflejar.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Parte 3. El cuerpo como huella.

En esta actividad se pide convertir el propio cuerpo, o una parte de él, en herramienta o soporte, de manera que sea parte tangible y conceptual del proceso creativo. Además, se pide ir más allá de la inmediatez de la huella dactilar y las marcas de las manos para explorar con amplitud las partes del cuerpo como generadoras de rastros.
Para las tres propuestas que hago me basé en la técnica de David Hammons y sus Body Prints, donde el cuerpo es la herramienta activa del dibujo. Para ello, elegí la vaselina por su textura grasa y su capacidad para marcar lo invisible. La técnica consiste en untar vaselina en la parte del cuerpo que voy a imprimir para, después, dejar que el peso, la presión, la tensión muscular y el gesto actúen. Los detalles de la huella resultante surgen sin estar planeados. Sobre esas huellas de vaselina, aplico tizas de colores que intensifican los matices y crean una tensión cromática que hablan de fuerza contenida, cercanía deseada y alcanzada o de miedo.

Pulso
En la primera propuesta presento una escena de fuerza contenida que registra dos brazos echando un pulso. En ambos, los antebrazos están en tensión, en el falso equilibrio que tiene el pulso. Con la técnica de vaselina y tiza de Hammons capturé el gesto de los antebrazos en tensión que, aunque no se aprecia del todo, creo que puede sentirse la competencia silenciosa a ver quién puede más.
Tuve que hacer varias pruebas para encontrar el punto justo entre la presión y la delicadeza para que luego la tiza de color no desbordase. La dificultad estuvo en conseguir que los colores azul y rojo no se mezclasen en las palmas de las manos y se transmitiese la sensación una mano sobre otra.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Beso
En la segunda propuesta presento el registro del acto íntimo que supone un beso como contacto, como presión y como transferencia. Es una rastro de contacto con dos caras que se tocan con los labios y la piel y que dejan en el papel la huella de ese momento. En este caso, unté vaselina en la parte de la cara que iba a imprimir y dejé que el cuerpo actuase porque, al frotar la cara contra el papel, lo que queda es una presencia. Las tizas azul y roja, aplicadas después sobre la huella grasa, intensifican los matices creando la tensión cromática que habla de cercanía deseada y alcanzada.
La dificultad estuvo en coordinar el momento del contacto ya que el beso no puede ser simulado ni repetido, al igual que el resultado no se puede corregir. La idea es que fuese real, breve e irrepetible. Tuve que experimentar varias veces hasta que conseguí lo que quería. Y eso fue lo más interesante porque el dibujo no nació del control, sino del abandono y el azar.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Miedo
En la tercera propuesta propongo un gesto físico de encierro. La cara, impresa en el centro, está dentro de sí misma. Los antebrazos, impresos rodeándola, se extienden hacia arriba y al centro como si fueran paredes invisibles. Simbolizan los límites que ponemos entre nosotros y el mundo en un gesto contención, como si el cuerpo estuviera informando de que este es su territorio y no puede ir más allá.
La dificultad en este caso estuvo en cómo colocar las distintas impresiones para luego espolvorear la tiza y coordinar el gesto. Este trabajo es el que más proporción de lienzo ocupa y tenía que asegurar que todo encajaría. En cuanto a la impresión de la cara, tuve que hacer varias pruebas para encontrar la velocidad justa a la que debía hacer la impresión para que la vaselina impregnase correctamente la imagen de la cara y quedase uniforme.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Reflexión final
Esta actividad ha sido sin lugar a dudas la que más me ha costado realizar de lo que llevamos de asignatura. No por la cantidad de dibujos sino más bien por las pruebas necesarias, experimentos, ideas desechadas porque no funcionaban o porque no conseguí que fuesen realizables con mis capacidades, nivel y entorno. Pero, a la vez, es con la que más he aprendido a utilizar todo lo que hemos visto en las actividades anteriores y, sobre todo, a investigar antes de ponerte a crear y a empezar con una idea pequeña sin saber a dónde vas a llegar o si será algo grande.

Esta actividad ha sido, sin lugar a dudas, la que más me ha costado realizar en toda la asignatura. No por la cantidad de dibujos, sino por todo lo que hay detrás. Las pruebas, los intentos fallidos, las ideas que tuve que abandonar porque no funcionaban, o porque estaban fuera de mi alcance por conocimientos técnicos, materiales o mi entorno. Hubo momentos en los que sentí que no avanzaba y que cada paso era un vuelta atrás. Pero ahí fue seguramente donde más aprendí.

Esta actividad me obligó mucho más a salir del dibujo como copia, como ejercicio técnico, y adoptar un papel de búsqueda. Aprendí a investigar antes de actuar, a planificar desde la incertidumbre de no saber a dónde iba a llegar, a empezar con una idea pequeña, a veces un simple un gesto, sin saber si me iba a conducir a alguna parte o si lo que quería transmitir sería visible para otros.

Y eso fue una liberación. Descubrí que crear es aceptar el camino aun sin tener claro el resultado. Me quedo con que muchas veces, lo más valioso no es el resultado, sino lo que cambias mientras lo haces. En estas actividades he visto cómo los errores se convierten en aciertos inesperados. Cosas que no salieron como quería, pero que me enseñaron a mirar desde otro punto de vista.

A lo largo de la asignatura he aprendido que el dibujo no empieza cuando coges el lápiz. Empieza cuando decides crear dejando un rastro que no sabes donde te va a llevar.

¡Hola!

A continuación adjunto los experimentos de los tres bloques trabajados de dibujo expandido.

1. CAMBIO DE SOPORTE

En este bloque el objetivo fue explorar cómo el soporte condiciona y transforma el significado del dibujo, alejándolo del papel como superficie neutra.

Experimento 1. El ojo en el árbol.

Quise establecer una relación entre elemento orgánico vivo y mirada. La madera conserva la memoria del crecimiento

Materiales: madera (rodaja de una rama de árbol cortada en temporada de poda), acrílico.

Proceso:

Experimento 2. Origen

Intenté hacer referencia directa al origen del dibujo utilizando la piedra como soporte primitivo y jugando entre arte prehistórico, imitando los bisontes de Altamira,  y gesto contemporáneo.

Materiales: piedra, lápiz blanco y acrílico.

Proceso:

Experimento 3. Dibujo expandido hacia lo cotidiano

En este experimento quise llevar el dibujo a algo vestible, cotidiano, usado, móvil (de hecho me los pongo para salir). También quise jugar contrastando escalas (dragón grande / mariposa pequeña).

Materiales: Pantalón vaquero, rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

2. EXPANSIÓN DE LA SUPERFICIE

En este bloque disfruté mucho experimentando e intententando que el dibujo dejara de ser un objeto autónomo y pasara a formar parte del espacio, modificando la percepción del entorno.

Experimento 1. Mariquita enchufada

Comencé con este dibujo que dialoga con un elemento real, el enchufe, haciendo que el espacio cotidiano se reinterprete a través del dibujo. Asímismo quise acentuar la ironía entre naturaleza y tecnología.

Materiales: rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

Experimento 2. Alguien me observa…

En el siguiente experimento quise simular una grieta en las baldosas del baño con dos ojos observando. A partir de entonces el espacio parecía mirar al espectador generando inquietud y conciencia del entorno.

Materiales: rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

Experimento 3. El mejor juguete para dejar de jugar

Mi intención en este experimento es, aunque dibujado en papel, ocupar el espacio tridimensional integrándose en el espacio a la vez que interactúa con objetos reales, utilizando el dibujo como herramienta para plantear una reflexión crítica sobre el consumo tecnológico infantil.

Materiales: papel reciclado, lápiz, rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

Experimento 4. Eres grande, pequeño

Con este perro salchicha extensible, también en papel, intenté que cambiara según la acción del espectador, en este caso el espacio (armario) activa el dibujo.

Materiales: papel reciclado, lápiz, rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

Experimento 5. En buena compañía

En el siguiente dibujé otro perro, esta vez en el espejo de un baño. El dibujo solo existe plenamente con el espectador, jugando entre reflejo, compañía y presencia.

Materiales: Espejo, rotulador acrílico y pintura acrílica.

Proceso:

3. EL CUERPO COMO HUELLA

En este bloque experimenté que el cuerpo no es solo soporte plano, el gesto y la postura generan forma, el dibujo se adapta al movimiento y a la anatomía.

Con el dibujo caracol usé la curvatura natural de los dedos

Con el elefante integra el dedo como trompa

Con el osito conecta cara y cuello, ampliando el espacio del dibujo

También quise hacer un experimento final intentando abarcar el cuerpo como huella y el cambio de soporte.

Experimento 1. Caracol

Materiales: pintura maquillaje.

Proceso:

Experimento 2. Elefante

Materiales: pintura maquillaje.

Proceso:

Experimento 3. Osito

Me gustó explorar los cambios de postura; al estirar el cuello o girar la cabeza, el dibujo del osito adquiría más movimiento y expresión.

Materiales: pintura maquillaje.

Proceso:

Experimento 4. La huella

Para terminar quise hacer un experimento final intentando abarcar el cuerpo como huella y cambio de soporte.

A través de las huellas dactilares quise trabajar la idea del rastro humano como forma primaria de dibujo.

La huella, única e irrepetible, se plantea como un dibujo no figurativo cargado de identidad. Al realizarla sobre distintos soportes busqué vincular la presencia humana con el tiempo: la piedra remite a lo antiguo, el tarro de cristal a la contemporaneidad y la lata de aluminio a la industria, conectando así memoria, cuerpo y materiales a lo largo de la historia.

Materiales: piedra, cristal, lata de aluminio, acrílico

Proceso:

Gracias.

Entrega parcial 1 Dibujo y Expresión Gráfica

Proyecto Personal

Introducción

Mi proyecto personal unirá mis dos pasiones: el arte y la naturaleza.

Mi objetivo es ilustrar y enmarcar elementos naturales dentro de su mismo contexto, para, a través del uso de imágenes simplificadas, representar diferentes tipos de elementos que componen el paisaje. Conceptualmente, me gusta el hecho de poder entregar una imagen sencilla que compacte la inmensa complejidad de la naturaleza. Es cuestión de contrastes: una ilustración de una hoja hecha encima de una cama de hojas secas tiene algo de obvio, esencial casi, pero nos obliga a cuestionar si lo que observamos día a día al pasar al lado de vegetación o de paisajes naturales lo apreciamos realmente.

Con éste ejercicio me gustaría transmitir el hecho de que, a pesar de su complejidad, la naturaleza nos atrae por su aparente simplicidad. Es un ejercicio de síntesis, de reduccionismo y del uso del entorno para ilustrar conceptos.

Para ello, pretendo usar los mismos elementos que me ofrezca la naturaleza (ramas, piedras, hojas…) para que la obra pueda conceptualizarse, crearse y permanecer en el mismo lugar sin intervenir en su destrucción. Sencillamente seguirá el mismo ciclo que el resto de la naturaleza, pero en otra forma.

El proyecto será un dibujo expandido (o varios), y será hecho en los bosques de Nueva Zelanda, concretamente en el área de Rotorua y alrededores, una zona con alta densidad de parajes naturales. Al hacerse en la naturaleza, quien lo encuentre lo verá, algo así como una exposición secreta. No será realizada en sitios muy turísticos ni muy obvios, ni será firmada. Solamente se realizarán fotografías para éste trabajo (finales, y del proceso).

Mis referente es Jon Foreman, un artista que se define como escultor, pero cuya obra tiene tanto de ilustración como de escultura, pues utiliza elementos naturales para crear majestuosas obras en playas del mundo, sin añadir nada que no estuviera previamente en el lugar:

A su vez, también me he inspirado a través del movimiento “Land Art” (o “Earth art”), creado en el 1960 que es precisamente el movimiento de hacer arte in situ con los mismos elementos naturales que ofrece la tierra. Algunos artistas de este movimiento son Robert Smithson y Nancy Holt:

Este es un boceto simple de lo que pretendo hacer, usando elementos del bosque que tengan contraste de color para crear una imagen aparentemente en 2D, jugando con la perspectiva:

Espero que os guste mi proyecto, espero que se parezca a lo que tengo en mente!

Hola

Os presento mi propuesta de Fanzine «Cronófagos».

La idea de este proyecto parte de la paradoja que sufrimos cada día sobre que vivimos rodeados de gente, pero nunca hemos estado más solos. El tema central es la soledad derivada de la esclavitud del tiempo, en el que este es el sistema opresor que rige nuestras vidas, rompe encuentros humanos y convierte las muestras de afecto en algo intermitente o casi imposible. Me interesa explorar cómo el ritmo que llevamos, y que nos hace ir siempre con prisa, siempre ocupados, impide el contacto de verdad con otras personas, incluida la familia, y cómo ese deseo de conexión se convierte en un gesto frágil que está muy condicionado por circunstancias externas.

Para tratar este tema, he elegido el formato fanzine por su potencial crítico y su carácter íntimo, personal y libre. Lo he titulado Cronófagos, jugando con la idea de que el tiempo no solo pasa, sino que devora lo que realmente nos hace humanos, como es el abrazo, la mirada o un silencio compartido. El fanzine tiene 8 páginas y un póster interior, dibujados con tres colores: negro, rojo y azul. Esta elección técnica de colores no es solo decorativa. Bajo una luz normal, el lector verá una narrativa gráfica similar a la de cualquier fanzine. Pero al iluminarlo con luces rojas y azules alternas, ciertos elementos del dibujo parecerán moverse o desaparecer y se crea una pequeña animación visual que refuerza el mensaje. Esta estrategia permite que el dibujo, en cierto modo, salga del papel y se transforme en una experiencia sensorial, donde el espectador no solo lee, sino que vive la tensión.

Lo entiendo como un proyecto de intervención crítica, aunque tenga cierto toque de dibujo bidimensional expandido, en el sentido de que el dibujo ya no es estático, sino que se activa bajo condiciones específicas de visibilidad. El dibujo se convierte en una herramienta que cuestiona un aspecto de la sociedad. Al combinar ilustración, experimentación con colores y juego de luces, el proyecto se mueve entre el arte gráfico, el cómic y una instalación mínima. De hecho, podría dibujarse cada página del fanzine en paneles enmarcados con luces LED rojas y azules alternas que hagan el efecto de animación, aunque la instalación sería más compleja y se perdería la capacidad de distribución que ofrece el formato fanzine.

La socialización del tema será directa, repartiendo copias del fanzine en espacios cotidianos como parques, bibliotecas, universidades y centros sociales y, además, compartiré videos del efecto de luz en redes sociales, siguiendo la idea del artículo de Víctor Lenore según la cual es mejor difundir los contenidos desde la calle o Internet que desde un museo, aunque este sea prestigioso.

En cuanto a referentes, me inspiro en Isidro López-Aparicio, quien utiliza el dibujo como una forma de autoafirmación en contextos precarios y en la noción de arte como proceso colectivo, donde el papel del artista es facilitar sin imponer. También me acerco a la idea de Rogelio López Cuenca, para quien el arte es útil por su capacidad de ser un problema, más que una solución, y de actuar como un campo de batalla simbólico; Patricio Forrester, cuyo trabajo en arte público y participativo busca mejorar la vida de quienes viven en situación de adversidad; y en Martha Rosler, cuya crítica al arte institucional me sirve para saber sobre dónde y cómo debe circular un mensaje político. A partir de estos referentes, he tratado de buscar una buena pregunta para que el fanzine sea la forma de hacerla.

Os dejo el proceso y un vídeo para que podáis ver el efecto con las luces. ¡Espero que os guste!

Salu2

Luis

Título: Lo que no se dice
Modalidad: Opción B2 serie de viñetas de dibujo crítico

Lo que no se dice es una serie de ocho viñetas que reflexionan sobre la idealización de la maternidad. El proyecto nace de la necesidad de cuestionar las imágenes y discursos que presentan la maternidad como una experiencia siempre positiva, plena y natural, dejando fuera otras vivencias que también forman parte de ella.

A través del dibujo y el texto, la serie muestra pensamientos y sensaciones que muchas veces no se expresan públicamente, como el cansancio, la culpa, la ambivalencia emocional o la pérdida de control sobre el propio cuerpo.

El proyecto no busca dar una respuesta cerrada ni decir cómo debería vivirse la maternidad. Su intención es abrir preguntas y generar incomodidad, mostrando que la experiencia materna se compleja y contradictoría. Las viñetas funcionan como fragmentos de una voz interior que se enfrenta a las expectativas sociales impuestas sobre las madres.

En lugar de un discurso moral o reivindicativo directo, el proyecto apuesta por una mirada crítica que invita a la reflexión desde lo íntimo y lo cotidiano.

Las viñetas están realizadas en blanco y negro, con una línea sencilla y expresiva. El cuerpo femenino aparece fragmentado o incompleto, como forma de representar la sensación de pérdida de identidad y de transformación que puede acompañar a la maternidad.

El texto es breve y directo, similar a pensamientos internos, y en algunos casos aparece tachado o reducido, haciendo referencia a lo que se silencia o no se dice en voz alta.

El proyecto se apoya en referentes del arte feminista y la gráfica crítica, especialmente en el trabajo de Nancy Spero, por su uso del cuerpo como espacio simbólico, y en prácticas de autoedición y fanzine feminista, que permiten una comunicación directa y accesible.

Las viñetas están pensadas para difundirse a través de redes sociales o en formato impreso, de forma que puedan circular fuera del aula. Esta difusión forma parte del proyecto, puesto que busca generar identificación y reflexión en otras personas.

Lo que no se dice propone ampliar la forma en que se representa la maternidad, dando espacio a experiencias que normalmente permanecen ocultas. El proyecto no pretende negar el amor materno, sino mostrar que éste convive con el cansancio, el duda y la contradicción, y que todas estas emociones también forman parte de la maternidad.

Este proyecto trata de representar diversas formas de materializar emociones. Las personas asumimos en muchas ocasiones que nuestra forma de sentir es universal, a priori nos puede parecer que el amor siempre lo situamos en el corazón y la ira en el estómago, por ejemplo. La idea de este proyecto es objetivar estas diferencias, y plasmarlas en una serie fotográfica.

Para ello, dos figuras realizadas en cartón simulando formas humanas, van a posicionarse frente a frente. Ambas tendrán dibujados diferentes órganos del cuerpo humano (cerebro, corazón, estómago…). Las emociones estarán escritas en cintas, con unas chinchetas en sus extremos.

El dibujo expandido consistirá en las figuras realizadas en cartón, un material básico, de un color neutro, los diferentes órganos serán representados con dibujos claramente identificables, y todas las cintas de las emociones serán del mismo color y características, para no añadir sesgos. La intervención va a consistir en que diferentes personas de mi entorno, coloquen esas cintas de muñeco a muñeco, sin preguntas, sin explicaciones.

La observación de este proceso puede ser también foco de análisis, en qué orden eligen las diferentes emociones, que tiempo tardan en situarlas, si expresan dificultad en la realización. Múltiples variables pueden ser consideradas, el sexo, la edad, el estado emocional del sujeto al realizar la intervención, la formación previa y un largo etcétera, lo que hace de este proyecto una ventana abierta a múltiples posibilidades.

En este caso, una foto collage final mostrará de qué manera representan diferentes personas las relaciones emocionales, el objetivo es reflexionar sobre la diversidad, y la dificultad que nos representa expresar y situar en el espacio un concepto tan abstracto como una emoción.