Entrega parcial 1 Dibujo y Expresión Gráfica

Proyecto Personal

Introducción

Mi proyecto personal unirá mis dos pasiones: el arte y la naturaleza.

Mi objetivo es ilustrar y enmarcar elementos naturales dentro de su mismo contexto, para, a través del uso de imágenes simplificadas, representar diferentes tipos de elementos que componen el paisaje. Conceptualmente, me gusta el hecho de poder entregar una imagen sencilla que compacte la inmensa complejidad de la naturaleza. Es cuestión de contrastes: una ilustración de una hoja hecha encima de una cama de hojas secas tiene algo de obvio, esencial casi, pero nos obliga a cuestionar si lo que observamos día a día al pasar al lado de vegetación o de paisajes naturales lo apreciamos realmente.

Con éste ejercicio me gustaría transmitir el hecho de que, a pesar de su complejidad, la naturaleza nos atrae por su aparente simplicidad. Es un ejercicio de síntesis, de reduccionismo y del uso del entorno para ilustrar conceptos.

Para ello, pretendo usar los mismos elementos que me ofrezca la naturaleza (ramas, piedras, hojas…) para que la obra pueda conceptualizarse, crearse y permanecer en el mismo lugar sin intervenir en su destrucción. Sencillamente seguirá el mismo ciclo que el resto de la naturaleza, pero en otra forma.

El proyecto será un dibujo expandido (o varios), y será hecho en los bosques de Nueva Zelanda, concretamente en el área de Rotorua y alrededores, una zona con alta densidad de parajes naturales. Al hacerse en la naturaleza, quien lo encuentre lo verá, algo así como una exposición secreta. No será realizada en sitios muy turísticos ni muy obvios, ni será firmada. Solamente se realizarán fotografías para éste trabajo (finales, y del proceso).

Mis referente es Jon Foreman, un artista que se define como escultor, pero cuya obra tiene tanto de ilustración como de escultura, pues utiliza elementos naturales para crear majestuosas obras en playas del mundo, sin añadir nada que no estuviera previamente en el lugar:

A su vez, también me he inspirado a través del movimiento “Land Art” (o “Earth art”), creado en el 1960 que es precisamente el movimiento de hacer arte in situ con los mismos elementos naturales que ofrece la tierra. Algunos artistas de este movimiento son Robert Smithson y Nancy Holt:

Este es un boceto simple de lo que pretendo hacer, usando elementos del bosque que tengan contraste de color para crear una imagen aparentemente en 2D, jugando con la perspectiva:

Espero que os guste mi proyecto, espero que se parezca a lo que tengo en mente!

Hola

Os presento mi propuesta de Fanzine «Cronófagos».

La idea de este proyecto parte de la paradoja que sufrimos cada día sobre que vivimos rodeados de gente, pero nunca hemos estado más solos. El tema central es la soledad derivada de la esclavitud del tiempo, en el que este es el sistema opresor que rige nuestras vidas, rompe encuentros humanos y convierte las muestras de afecto en algo intermitente o casi imposible. Me interesa explorar cómo el ritmo que llevamos, y que nos hace ir siempre con prisa, siempre ocupados, impide el contacto de verdad con otras personas, incluida la familia, y cómo ese deseo de conexión se convierte en un gesto frágil que está muy condicionado por circunstancias externas.

Para tratar este tema, he elegido el formato fanzine por su potencial crítico y su carácter íntimo, personal y libre. Lo he titulado Cronófagos, jugando con la idea de que el tiempo no solo pasa, sino que devora lo que realmente nos hace humanos, como es el abrazo, la mirada o un silencio compartido. El fanzine tiene 8 páginas y un póster interior, dibujados con tres colores: negro, rojo y azul. Esta elección técnica de colores no es solo decorativa. Bajo una luz normal, el lector verá una narrativa gráfica similar a la de cualquier fanzine. Pero al iluminarlo con luces rojas y azules alternas, ciertos elementos del dibujo parecerán moverse o desaparecer y se crea una pequeña animación visual que refuerza el mensaje. Esta estrategia permite que el dibujo, en cierto modo, salga del papel y se transforme en una experiencia sensorial, donde el espectador no solo lee, sino que vive la tensión.

Lo entiendo como un proyecto de intervención crítica, aunque tenga cierto toque de dibujo bidimensional expandido, en el sentido de que el dibujo ya no es estático, sino que se activa bajo condiciones específicas de visibilidad. El dibujo se convierte en una herramienta que cuestiona un aspecto de la sociedad. Al combinar ilustración, experimentación con colores y juego de luces, el proyecto se mueve entre el arte gráfico, el cómic y una instalación mínima. De hecho, podría dibujarse cada página del fanzine en paneles enmarcados con luces LED rojas y azules alternas que hagan el efecto de animación, aunque la instalación sería más compleja y se perdería la capacidad de distribución que ofrece el formato fanzine.

La socialización del tema será directa, repartiendo copias del fanzine en espacios cotidianos como parques, bibliotecas, universidades y centros sociales y, además, compartiré videos del efecto de luz en redes sociales, siguiendo la idea del artículo de Víctor Lenore según la cual es mejor difundir los contenidos desde la calle o Internet que desde un museo, aunque este sea prestigioso.

En cuanto a referentes, me inspiro en Isidro López-Aparicio, quien utiliza el dibujo como una forma de autoafirmación en contextos precarios y en la noción de arte como proceso colectivo, donde el papel del artista es facilitar sin imponer. También me acerco a la idea de Rogelio López Cuenca, para quien el arte es útil por su capacidad de ser un problema, más que una solución, y de actuar como un campo de batalla simbólico; Patricio Forrester, cuyo trabajo en arte público y participativo busca mejorar la vida de quienes viven en situación de adversidad; y en Martha Rosler, cuya crítica al arte institucional me sirve para saber sobre dónde y cómo debe circular un mensaje político. A partir de estos referentes, he tratado de buscar una buena pregunta para que el fanzine sea la forma de hacerla.

Os dejo el proceso y un vídeo para que podáis ver el efecto con las luces. ¡Espero que os guste!

Salu2

Luis

Este proyecto trata de representar diversas formas de materializar emociones. Las personas asumimos en muchas ocasiones que nuestra forma de sentir es universal, a priori nos puede parecer que el amor siempre lo situamos en el corazón y la ira en el estómago, por ejemplo. La idea de este proyecto es objetivar estas diferencias, y plasmarlas en una serie fotográfica.

Para ello, dos figuras realizadas en cartón simulando formas humanas, van a posicionarse frente a frente. Ambas tendrán dibujados diferentes órganos del cuerpo humano (cerebro, corazón, estómago…). Las emociones estarán escritas en cintas, con unas chinchetas en sus extremos.

El dibujo expandido consistirá en las figuras realizadas en cartón, un material básico, de un color neutro, los diferentes órganos serán representados con dibujos claramente identificables, y todas las cintas de las emociones serán del mismo color y características, para no añadir sesgos. La intervención va a consistir en que diferentes personas de mi entorno, coloquen esas cintas de muñeco a muñeco, sin preguntas, sin explicaciones.

La observación de este proceso puede ser también foco de análisis, en qué orden eligen las diferentes emociones, que tiempo tardan en situarlas, si expresan dificultad en la realización. Múltiples variables pueden ser consideradas, el sexo, la edad, el estado emocional del sujeto al realizar la intervención, la formación previa y un largo etcétera, lo que hace de este proyecto una ventana abierta a múltiples posibilidades.

En este caso, una foto collage final mostrará de qué manera representan diferentes personas las relaciones emocionales, el objetivo es reflexionar sobre la diversidad, y la dificultad que nos representa expresar y situar en el espacio un concepto tan abstracto como una emoción.

Propuesta de proyecto personal: Fanzine sobre fake news y desinformación digital

En este caso he decidido que mi proyecto consista en la realización de un fanzine gráfico de carácter crítico centrado en las fake news, los bulos y la desinformación digital en el contexto mediático actual. El objetivo principal del proyecto es reflexionar sobre cómo la sobreinformación, la viralidad de los contenidos y determinadas estrategias comunicativas influyen en la percepción de la realidad y en la construcción de la opinión pública.

El proyecto se desarrolla dentro de la opción B2 del enunciado, como una intervención gráfica crítica, y se materializa en un fanzine de ocho páginas. El formato del fanzine se elige por su sencillez, su carácter accesible y su vinculación histórica con prácticas de autoedición y comunicación alternativa. A través de una secuencia de páginas breves y directas, el fanzine propone una lectura crítica del consumo informativo cotidiano, especialmente en redes sociales y plataformas digitales.

Desde el punto de vista formal, el proyecto se plantea con una estética sencilla y experimental, utilizando dibujo manual y tipografía hecha a mano. Los materiales serán básicos: papel, rotulador negro, lapiz, carboncillo y algún color que destaque los detalles. No se busca un dibujo técnico o virtuoso, sino el uso del dibujo como herramienta conceptual y comunicativa, capaz de sintetizar ideas complejas mediante imágenes simples y textos breves, que lleguen de una manera directa al lector.

La estructura del fanzine se organiza de forma narrativa. La portada introduce el tema con la frase “Fanzine sobre fake news y la desinformación digital”. Las primeras páginas abordan la saturación informativa y el exceso de mensajes mediante la idea “Demasiadas voces, poco sentido”, así como el ruido, la duda y la viralidad de los bulos. A continuación, se reflexiona sobre el framing y el poder del lenguaje a través de la idea de que “las palabras cambian la realidad”, y sobre las verdades a medias y los diferentes ángulos desde los que se construye la información o como afectan las líneas editoriales de los medios de comunicación.

Las páginas finales se centran en el uso del miedo como estrategia comunicativa y publicitaria, la figura del influencer como publicidad disfrazada y, finalmente, el papel activo del espectador. El fanzine se cierra con una llamada a la reflexión crítica a través de las palabras “haz zoom, pregunta, piensa, duda”.

El proyecto se difundirá de forma digital y, si es posible, mediante impresión doméstica. Entre los referentes se encuentran la gráfica crítica contemporánea, el collage político y prácticas de comunicación visual vinculadas a la denuncia social y mediática.

Los dibujos que aporto son solo bocetos y pruebas de dibujo.

Portada:

Bocetos de páginas del fanzine:

Distribución de páginas:

REFERENTES:

Este proyecto quería poner el foco la identidad que utiliza el cuerpo femenino y su experiencia cotidiana como herramienta de análisis y transformación social. El proyecto parte de la necesidad de cuestionar cómo los espacios condicionan la manera en que las mujeres se mueven, se muestran y se perciben a sí mismas. Desde una perspectiva situada y feminista, la identidad se entiende como una construcción atravesada por el cuerpo, el contexto y la vivencia diaria.

Inspirado en Parkuir, proyecto de María Laudes y Laia Gimeno, un proyecto de mediación desde el humor donde toman la idea del desplazamiento consciente como gesto político, posicionan a las personas queer en un contexto de deporte donde siempre han sido excluidas. No se trata de reproducir el parkour como práctica deportiva, sino de observar y registrar cómo las personas queer negocian el espacio: esquivan, se detienen, aceleran o modifican su postura en función de la mirada externa, el miedo o la costumbre. Estas acciones cotidianas, normalmente invisibilizadas, se convierten en el punto de partida.

Mi proyecto en cambio  se desarrollará a través del dibujo expandido, focalizando la acción en la creación de la identidad, la reproducción de roles y como las mujeres se adaptan a contextos y se deforman el ser para encajar en lo que se espera de ellas. Mi practica se trata de observar y registrar cómo las mujeres negocian el espacio: esquivan, se detienen, aceleran o modifican su postura en función de la mirada externa, el miedo o la costumbre. Estas acciones cotidianas, normalmente invisibilizadas, se convierten en el punto de partida. Para ello quisiera represéntalo mediante intervenciones físicas en el espacio, como la colocación temporal de dibujos en muros, suelos o mobiliario, dialogando directamente con los lugares donde se originan las experiencias representadas. Y un fanzine que combine grafito, tinta y collage sobre papel, combinados con fotografía para constatar el acto.

La combinación de dibujo, acción y difusión busca activar una mirada crítica sobre la relación entre cuerpo femenino e identidad, desplazando el dibujo del ámbito íntimo al espacio público y digital como forma de resistencia visual.

Los referentes del proyecto incluyen María Laudes y Laia Gimeno, Hannah Altman, por su uso de la imagen como exploración identitaria; y Núria Güell, por su práctica artística de intervención crítica y posicionamiento político.

Buenas tardes, por aquí les dejo mi propuesta de proyecto final de esta asignatura.

En cuanto a las opciones he querido escoger la opción A2, realizar una exploración artística. He elegido esta opción debido a que coincide en un contexto personal perfecto, donde me veo creativa y capaz de elaborar un proyecto final de lo más interesante. 

Personalmente llevaba tiempo queriendo hacer un proyecto artístico como este pero no me había surgido la ocasión hasta ahora. Me encuentro en una etapa sensorial y mística, donde cada segundo de mi vida es reflejado en mis obras. Por ello, respecto al tema, he decidido realizar una exploración artística de la identidad a través del mosaico como herramienta visual. Utilizando así la abstracción como guía visual para elaborar con solidez mi idea.

Respecto al material, quiero reunir diferentes materiales sobre un soporte plano para construir una imagen de lo que sería mi identidad. Cada objeto representaría experiencias, creencias, valores,… todo ello llevado a lo personal. Para que mientras se vaya creando el mosaico se vayan entrelazando y creando así una imagen sólida. Como material iría mezclando distintas disciplinas como la pintura, la escultura e incluso el dibujo. Me gustaría utilizar tejidos, acrílico, carboncillo e incluso algún que otro material plástico reciclado, dependiendo de los colores para ir jugando con la imagen final. Asimismo, me gustaría socializar el tema a través de una cartelera de una exposición.

En cuanto a la dimensión, trataría de realizarla lo más bidimensional posible, excepcionando las texturas que pueda lograr con los distintos materiales. En ese caso acabaría siendo tridimensional, tal vez así pueda darle también más significado personal al proyecto.

Aquí dejo un boceto de lo que podría llegar a ser el proyecto.

Finalmente, respecto a los referentes he seguido varias ideas. 

Andando caminos. Ana Gabriela Carballo. 2022

Puentes. Nilda Zamudio. 2022

Reverberancia. Liliana Waisman. 2022

Bendiciones en el Eúfrates y el espíritu de civilización. Aydan Vatansever. 2022

Cielos nuevos y Tierra nueva. Cátia Usevicius Maia. 2022

Intramundo, serie lo que queda por crecer. Alejandra Torres López. 2022

TÍTULO DE LA INSTALACIÓN:

“ENTRETIEMPO O NIDO DE LA MEMORIA”

NOTA: Solo muestro algunas fotos del inicio de la instalación, todavía queda mucho trabajo por hacer, pero creo que estas fotografías pueden ayudar a entender cuál es la idea de lo que quiero desarrollar poco a poco a lo largo de estas semanas. No está terminada la instalación, tengo muchísimas ideas que tengo que seguir completando. Pero como digo siempre, la ayuda es fundamental. Tengo que hacer aún todo el entramado de hilos (solo están puestos los hilos de sujeción por ahora), colocar los dibujos que irán suspendidos de la red (dibujos de objetos relacionados con la infancia y los sueños, pero desde el punto de vista del trauma del que hablaba Freud, algo que explico más adelante) y ver también, cómo termino decorando los alrededores de la zona (suelo, paredes, bloques de cemento…).

Aquí muestro dos dibujos. Uno es el boceto inicial de cuando pensé en realizar esta idea (lo que estaba en mi cabeza solamente) y el segundo, lo he realizado esta misma mañana con lo que llevo realizado hasta ahora. Como son bocetos, no están realizados como dibujos perfectos, sino simplemente como las ideas que estaban en mi cabeza. Los he realizado en un cuaderno DIN A5 pequeño. Más adelante puedo perfeccionar los dibujos a la hora de presentarlos.

A continuación muestro una serie de fotografías que me han servido de inspiración (más adelante, explicó estos referentes). Primero, aparecen dos instalaciones de la artista japonesa CHIARU SHIOTA, que son las que me han inspirado principalmente (las tres primeras fotografías). He tenido la suerte de ver sus diferentes obras y me parece un trabajo admirable.

1-       INTENCIÓN ARTÍSTICA Y CONCEPTO:

Ø  Definición del concepto: las huellas de la ausencia: ciclo y suspensión.

Ø  Fusión de dos propuestas: he utilizado para esta instalación la red como una metáfora del tejido vital que atrapa y sostiene los recuerdos infantiles (objetos y dibujos), utilizando el espacio del sótano como metáfora del subconsciente. Con la intención de mostrar dos dualidades, aquí es donde aparece la fusión de dos ideas: belleza/amenaza y vida/muerte.

A continuación, desarrolló un poco más estas ideas:

Parte 1: “Ciclo Vida/Muerte”. La telaraña o laberinto de hilos representa el tejido de la vida, los caminos, las conexiones y también, el inevitable final (la telaraña como trampa, pero también como construcción frágil). El color rojo (sangre, vida, pasión, lazo) y el color negro (oscuridad, muerte, lo desconocido, el vacío) lo refuerzan.

Parte 2: “Infancia robada”. Los objetos infantiles (unos reales y otros dibujados) se presentan aquí o bien suspendidos o bien atrapados en la red. Y simbolizan los recuerdos y la inocencia, pero también la pérdida. El cabecero de la cama blanco actúa como un “umbral” o “portal” a ese mundo de la memoria y los sueños infantiles, que ahora está invadido por esa red compleja y enmarañada (las experiencias, el tiempo, el trauma).

Interpretación: la instalación habla de cómo la memoria de la infancia (objetos) y los sueños (el cabecero, lugar de descanso y ensoñación), están de alguna forma tejidos y atrapados, pero a su vez, también están sostenidos por la propia red de la vida, que es a la vez bella (la tela de araña como arquitectura) y despreciable. Y el sótano, entendido en esta instalación como el espacio subterráneo, representa en esta ocasión el subconsciente, lo guardado, lo no visible.

2–       MATERIALES Y EJECUCIÓN TÉCNICA:

Incluye: lana, hilos, cabecero, objetos, herramientas de sujeción y materiales de dibujo para los objetos en papel.

·      Hilos principales (estructura y visibilidad): he usado lana y estambre acrílico grueso en rojo y negro. Para los tramos más largos que requieren más tensión, he usado cuerda delgada de algodón en unas zonas y en otras, polipropileno. Luego, las he envuelto y entrelazado con lana en los puntos clave.

·      Hilos secundarios (relleno y densidad): para crear la sensación de “tejido” denso, he usado hilo de coser de algodón grueso (perlé) e hilaza en los mismos colores. Permitiéndome crear capas finas entre los hilos estructurales.

·      Sujeción: las tuberías del sótano han sido perfectas para el proceso. Con cinta de carrocero de baja adherencia la he utilizado para realizar la primera fijación inicial y posteriormente poder realizar nudos más seguros. Para el cabecero, he atado los hilos directamente a los barrotes.

·      Los objetos: por un lado, son objetos reales, mientras que otros, son dibujados y recortados. Aquí entraría el dibujo expandido: he dibujado algunos de esos objetos (un biberón, un sonajero, un cuaderno de dibujos, bloques de madera, un corazón y una llave) en papel negro con tiza de color. Los he recortado y los he colgado en la red. Por otro lado, aparecen objetos reales como un oso de peluche, un muñeco, un zapato infantil, ropa de muñeca…). Esto crea un juego entre el objeto 3D y su representación 2D, esencial para el requisito del ejercicio.

·      La telaraña: trataré de no hacer una geométrica perfecta. Por ahora si se ve esa posible estructura perfecta de hilos porque es el principio, pero la idea es que desaparezca más adelante conforme vaya aumentando la densidad del hilo (estoy trabajando con 3 tipos de hilo diferente, ya lo explicaré con más detalle cuando esté terminado). El poder de Shiota está en la orgánica acumulación y es lo que pretendo conseguir. He comenzado con los hilos estructurales (de las tuberías al cabecero y entre sí mismas) para luego ir rellenando con un enredo deliberado, pero equilibrado a nivel de composición. He tratado de pensar en la instalación como un dibujo en el aire, donde las líneas (hilos) definen volúmenes y conectan puntos (objetos, dibujos).

3-       DISPOSICIÓN EN EL ESPACIO:

Tras barajar diferentes posibilidades, entre ellas la opción de un punto fijo, donde la red nacería densamente del cabecero y se expandiría hacia una sola pared, concentrando los objetos en ese espacio, pensé que me proporcionaría algo más controlable, pero a la vez, menos inmersiva. La otra que me planteé fue la opción de cornisa, ya que la red se desarrollaría principalmente en un plano, como un cuadro vivo, entre una de las paredes y el propio cabecero colocado a unos metros. Sería muy gráfica, pero probablemente menos impactante a nivel espacial.

Por lo tanto, me quedé finalmente con esta tercera opción:

Colocar el cabecero en una zona central del sótano, como un punto focal. Tejer la red desde las tuberías del techo, de las paredes laterales y desde el propio cabecero, de manera que ocupe un volumen central en el espacio, obligando al que transita a rodearla o incluso, a pasar por un hueco en ella. Los objetos y dibujos estarán colocados a diferentes alturas, incluso, algunos a la altura de los ojos. Aún no he empezado con los dibujos porque necesitaba tener previamente la base para luego completar con el dibujo. Tengo intención de completar bastante esta idea de instalación a través del dibujo, solo que aún no he llegado a esa fase.

La ventaja con esta opción es que se establece una relación física fuerte con el espectador (debe moverse con cuidado e interactuar con con ese espacio). El dibujo en el aire envuelve. Pienso que, en esta ocasión, puede ser la opción más ambiciosa, pero creo que también es la más efectiva de cara a realizar una representación más acertada.

4-       REFERENTES PRINCIPALES:

• ·      Chiharu Shiota: aquí, el uso del hilo rojo y negro para crear espacios de memoria y ansiedad. Obras como “During Sleep” (camas y redes) o “The Key in the Hand” (objetos suspendidos).
• ·      Dibujo expandido: referencia a artistas que salen del papel, como Julie Mehretu (capas de líneas), o incluso, los “environmental drawings” de Richard Long. Aquí el dibujo es el gesto de tejer, la línea es el hilo, y el soporte es el espacio tridimensional.
• ·      Lo siniestro (Unheimliche): concepto freudiano aplicable al sótano y a los objetos familiares puestos en un contexto extraño.

5 – PROCESO DOCUMENTADO:

Esta es la idea de los bocetos que pienso presentar, aunque tampoco sé si debo completar con otro tipo de dibujos. Toda ayuda, será bien recibida. Cualquier comentario lo agradeceré. No sé si estoy acercándome a un camino correcto o no.

No muestro por ahora bocetos claros de dibujo porque me doy cuenta de que la idea se tiene que ir creando un poco sobre la marcha. Muestro dos dibujos que me ayudaron al inicio, pero claro, todo se va a ir transformando conforme vaya evolucionando la propia idea, por eso, no sé muy bien de forma previa como mostrarlo con el dibujo, a posteriori si podré mostrarlo más fácilmente.

He pensado dibujar en papel negro con tiza de colores, después recortarlo y colgarlo de los propios hilos. La idea es dibujar objetos infantiles que queden atrapados en esa telaraña. Todavía no lo tengo dibujado porque me gustaría seguir dándole vueltas a esta idea antes de seleccionar que voy a dibujar concretamente o qué objetos pueden adaptarse mejor a este dibujo.

·      Boceto 1 (conceptual): dibujo a lápiz donde muestro la idea de la red conectando objetos simbólicos.

·      Boceto 2 (espacial): plano simple del sótano con la disposición propuesta: ubicación del cabecero, dirección de los hilos principales y puntos de anclaje (tuberías).

·      Boceto 3 (detalle de los objetos): dibujos de los objetos que he usado (los físicos y los dibujados en papel). Muestro el estilo gráfico que tendrán.

·      Fotos del proceso (post-instalación): tengo intención de incluir al final de la práctica diferentes imágenes que incluirán: 1) espacio vacío, 2) la colocación del cabecero y los primeros hilos estructurales, 3) el tejido de la red en progreso, 4) detalles de la unión hilo-objeto, 5) vistas del resultado final desde varios ángulos, incluyendo detalles y una vista general que muestre la inmersión.

6-       RELACIÓN ENTORNO-PERSONA:

La intención, cuando esté terminada la instalación es que me lleve a reflexionar sobre cómo la intervención transforma la percepción del sótano (de un lugar de paso o almacenaje a un lugar de contemplación). Cómo el espectador, al transitar, completa la obra con su presencia, su sombra proyectada sobre los hilos, su mirada que descubre objetos.

¡Hola!

A continuación adjunto la presentación de la propuesta del proyecto personal.

Fanzine sin título – Resumen del proyecto

Este proyecto es un fanzine ilustrado que nace a partir de un cuento escrito por mí. La historia habla de algo bastante común y que, en más o menos medida todos lo hemos vivido: la presión por encajar y lo difícil que puede ser ser diferente en entornos donde parece que todo el mundo sigue las mismas normas. Muchas veces la influencia de los demás, familia, amigos, compañeros o el entorno, nos lleva a actuar de un modo que no refleja quiénes somos realmente, ya sea para encajar en un grupo o para mantener contentos a otros. Es algo que nos ocurre a todos, tanto en la juventud como en la adultez. A través de una metáfora sencilla el cuento presenta a un personaje que vive en un lugar muy rígido donde salirse de lo establecido se ve como algo “raro”. La intención no es dar lecciones sino abrir un espacio para pensar en cómo estos procesos influyen en nuestra manera de actuar y de mostrarnos ante los demás.

El relato está escrito en verso, con mucho humor, en un tono cercano al de los cuentos infantiles, aunque está pensado para jóvenes y adultos. Esta elección busca suavizar la crítica y hacerla más accesible, permitiendo que temas como la autonomía personal, la creatividad o la dificultad de mantener una voz propia aparezcan de forma natural y cercana. He decidido conscientemente utilizar un lenguaje en verso, sencillo y divertido, pensado para generar empatía y facilitar que cada persona conecte la historia con su propia experiencia.

Las ilustraciones se realizarán a mano con acuarela y lápices de colores. Me interesa especialmente la textura y la expresividad de estos materiales, ya que permiten transmitir emociones y atmósferas de una manera muy directa. El lápiz aporta una línea más frágil, mientras que la acuarela ayuda a crear el clima emocional del relato. Una vez terminadas las imágenes se digitalizarán para dar forma al fanzine final, combinando así el trabajo manual con herramientas digitales.

El fanzine tendrá ocho páginas interiores, además de portada y contraportada. ¡La portada no tendrá título!, dejando un espacio en blanco para que sea el lector quien decida cómo titular al cuento. De este modo el proyecto se plantea como algo abierto, donde quien lo lee también participa y aporta su interpretación. La difusión se realizará principalmente a través de redes sociales, compartiendo páginas del fanzine y animando al intercambio de ideas y opiniones.

El proyecto se apoya en referentes de literatura infantil y juvenil, fanzines y lecturas del temario que entienden el dibujo como una herramienta para pensar y comunicar más allá del papel. En conjunto se trata de una propuesta sencilla y accesible que utiliza el formato fanzine para reflexionar sobre el conformismo y la identidad.

Agradeceré cualquier crítica o sugerencia que ayude a hacer crecer el proyecto y a explorar posibilidades.

A continuación, adjunto algunas imágenes donde se incluye storyboard, diagrama del proyecto, estudios del personaje, pruebas de color, bocetos de composición e imágenes de referentes que fundamentan la propuesta.

Diagrama del proyecto:

Cuento en desarrollo:

En un principio pensé en un cuento largo, pero me salían unas 20–25 ilustraciones y vi que no me daría tiempo a terminarlo, así que al final opté por otro que he escrito más cortito.

Personaje y prueba de color:

Storyboard:

Estudio del personaje (turnaround y expresiones):

Algunos bocetos de composición:

Imágenes de referentes:

Buenas tardes,

Para este trabajo final he escogido realizar el FANZINE, en inicio no lo tuve claro pero he ido entrando en materia y ojeando muchos autores que me han hecho decidirme finalmente por este ejercicio artístico.

Para mi entrega he escogido un tema de actualidad que considero que necesita mayor difusión social y que dadas las circunstancias mundiales se ha acallado bastante y quedado más en la sombra de lo que debería, pues afecta a un gran sector de la sociedad mundial. Las mujeres y aquellos que quieren la igualdad, sean del género que sean.  Se trata de la opresión que el gobierno iraní lleva a cabo contra del género femenino y cómo el movimiento Mujer Vida Libertad, que nació con el asesinato de la joven kurda Mahsa Amini, está subyaciendo bajo este régimen religioso.

El formato sería de unas 12 páginas, combinando diferentes técnicas e incluso materiales.  La difusión podría ser a través de RRSS, presentaciones en centros culturales, de formación, bibliotecas… también podría crearse un site en internet y en papel, claro que sí.

Está totalmente en construcción este proyecto. No es un borrador, más bien se trata de esbozos de lo que se está engendrando dentro de este ejercicio final…la idea es hacerlo más magazine todavía pero estoy buscando fuentes y ayuda a través de videos, etc que me permita crear una entrega con más forma.

Adjunto lo que he ido trabajando para después elaborar el FANZINE final. La historieta es lo que quiero que sea el hilo conductor y entre páginas incluir otros aspectos de interés como recortes de diario con noticias relacionadas, información de lo que fueron los inicios del régimen actual y poner en contexto un poco todo, o intentarlo. En fín, todavía estoy en fase de retroalimentación.

Un cordial saludo