Hola

Os presento mi propuesta de actividades de dibujo expandido.

Parte 1. Cambio de soporte

En esta serie de actividades nos centramos en dibujar sobre o con un objeto o apoyo que no es habitual. En las distintas propuestas he utilizado como soporte de dibujo una mesa redonda de plástico azul en la que he dibujado con tiza, un monitor antiguo sobre el que también he utilizado una tiza para dibujar y una ventana en la que he dibujado con rotuladores acrílicos. Cada uno de estos objetos son cotidianos, aparentemente invisibles y tienen una función definida. Pero no los elegí por eso sino por su simbolismo. La mesa es un escenario de lo vivido. Se trata de una mesa que lleva con nosotros 18 años y que han usado y siguen usando mis hijos. El monitor antiguo es la frontera entre lo real y lo virtual. Y la ventana es otra frontera, esta vez entre dentro y fuera.

El lápiz no es tuyo
En la primera propuesta utilizo distintas tizas y una mesa redonda de plástico azul. Este dibujo sobre la mesa azul lo planteo como un acto de reivindicación, dando al lápiz un papel de símbolo de poder compartido, sostenido por varias manos que lo sujetan desde distintos ángulos. En el dibujo no se dice quién sostiene el lápiz, ni por qué. Por eso, he titulado a la propuesta «El lápiz no es tuyo».

La mesa ya no es solo donde se come o se trabaja, sino donde se construye algo colectivo, una especie de escultura social. Es un lugar de diálogo silencioso entre manos que no necesitan estar ordenadas, pero que comparten un propósito.

Usar la tiza la principal dificultad, pero se convirtió en parte del mensaje ya que nada aquí es definitivo sino que todo está en proceso, como un dibujo de especulación que cobra vida mientras lo creas.

Los referentes en los que me he basado son Berger, Nuri Güell, Iconoclasistas e Isidro López Aparicio.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

No estoy
Para la segunda propuesta elegí un monitor antiguo. La idea no es presentarlo como una reliquia tecnológica, sino como el umbral en el que esperamos esas respuestas que nunca llegan. Este monitor ya no transmite datos sino vacío. Y en ese vacío, las manos piden conexión para reclamar presencia. Dibujar sobre su superficie con tiza blanca fue la forma de desactivar su función habitual y convertirlo en un lienzo soporte de la ausencia. Uso este monitor para cuestionar la ilusión de conexión que nos vende la tecnología, del mimo modo que hace Fiona Banner al intervenir objetos con significado para problematizar la realidad.

La principal dificultad la encontré al trabajar sobre una superficie lisa y reflectante. La tiza resbalaba y se borraba a trazos. Curiosamente, esta imprecisión también encaja con el mensaje de la promesa de perfección que nos da lo digital, mientras que la vida misma o el dibujo son imperfectos. Me basé en la reflexión de Berger sobre el dibujo como acto de percepción activa porque esta propuesta no busca representar lo visible, sino hacer reflexionar sobre lo que se ha vivido, sentido o esperado. En este caso, lo vivido es la espera en sí, provocada por la desconexión, y el deseo de tocar algo que solo existe si hay señal.

He elegido el título «No estoy» porque plantea la duda de si se refiere a quien mira el monitor, a quien no responde o al alma del monitor que trata de salir de su carcasa. Lo que quería transmitir es que, en una sociedad en la que estamos permanentemente conectados, el hecho de decir no estoy es un acto de resistencia. No solo por la desconexión técnica en sí misma, sino por esa negación del rol adquirido, del hecho de tener que esta siempre disponibles porque existan capacidades para ello.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

El girasol que no gira
Para la tercera propuesta elegí como soporte un paraguas. En esta ocasión no es un refugio contra la lluvia sino el escenario circular en el que la luz y el movimiento podían hacer que algo naciera. La idea original de la experimentación es que fuese el disco de un fenaquitoscopio. Para ello, utilice rotuladores acrílicos para dibujar los ocho fotogramas del girasol abriéndose. Fue una forma de convertir un objeto funcional en una máquina de tiempo que permitía observar aquello que el mundo nos obliga a pasar por alto. Al final no pude comprobar su utilidad como fenaquitoscopio porque no conseguí encontrar la velocidad de giro adecuada del paraguas coordinada con el disco con las ranuras que permiten hacer el efecto de movimiento debida a la persistencia de la retina. Aquí puede verse un vídeo de la animación esperada creada digitalmente.

Dibujar directamente con rotulador acrílico, ha hecho que fuese más difícil corregir algunos errores debido a que tenía que esperar a que la pintura secase completamente para poder pintar encima.

He elegido el título «El girasol que no gira» porque incluye dos ideas. La primera porque conecta con Berger y el dibujo como acto de atención y observación lenta. La segunda por la impotencia sufrida al no encontrar el giro necesario para que funcionase como fenaquitoscopio. Aunque esta segunda idea es más personal y un espectador no la pensaría salvo que supiera mi idea original relacionada con la animación.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Parte 2. Expansión de la superficie

En esta actividad se pide dibujar sobre sobre un espacio o entorno para experimentar con el poder transformador del dibujo directamente aplicado al entorno. De esta forma, las propuestas serán parte del espacio y adquirirán la posibilidad de ser transitables. Presento tres intervenciones del espacio cotidiano en una ventana, el suelo y un espejo. Para cada uno de estos soportes propongo una situación en la que se hace visible lo invisible. En «La distancia que nos une», la ventana se convierte en diagrama crítico de la paradoja de la comunicación moderna, inspirada en Berger y Schiele, donde manos rotas y una sombra solitaria hablan de conexiones fallidas. En la propuesta «¿Qué pasó con la silla?», el suelo actúa como testigo mudo de un suceso no contado, usando referentes como William Kentridge. Y en «Huellas imborrables», el espejo deja de reflejar para pasar a recordar, usando capas y transparencias, como Brigitte Waldach, mientras pone de manifiesto la inestabilidad humana que Isidro López-Aparicio explora en sus proyectos. Las tres son dibujos expandidos que borran la línea entre trazo y objeto de manera que ambos son protagonistas.

La distancia que nos une
Para la primera propuesta, planteo una representación de lo que no se dice. Quería convertir el cristal de la ventana en un soporte para hablar de una verdad incómoda: vivimos cerca unos de otros, pero preferimos estar conectados por cables invisibles.
La técnica que utilizo es con rotuladores acrílicos sobre plástico adherido al vidrio, ya que esto me permitió intervenir sin dañar, pero sin perder la obligatoriedad de trabajar con la misma precisión y cuidado que si lo hubiese hecho directamente sobre el cristal. Dibujé tres parejas de manos: una conecta la casa con la antena en la montaña; otra intenta llegar a la casa vecina desde la antena, pero se rompe en el aire; y la tercera solo está conectada con la antena, sin mano al otro extremo. Encima de la antena, la sombra de una persona sentada en una silla, con la cabeza entre las manos, con un gesto de derrota y cansancio. Representa la paradoja en la que se encuentra la antena viendo a la gente vivir tan cerca y comunicándose por medio de señales.
El objetivo de esta intervención no es decorar la ventana con pegatinas sino diseccionar la realidad, como decía Berger, y poner de manifiesto que la antena, creada para conectarnos, se convierte en un símbolo de distanciamiento.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Vídeo del proceso de dibujo

¿Qué pasó con la silla?
Para la segunda propuesta planteo una escena que se activa cuando la silla se rompe. El cuerpo que aparece debajo, con su pierna extendida, no pretende ser un retrato, sino un rastro de lo que sucedió. El suelo es testigo de lo sucedido, por eso lo elegí como soporte. Es donde caemos, donde nos quedamos, donde dejamos huella. Por tanto, la silla rota no es un accidente es la condición necesaria para que lo invisible, quién rompió la silla, se haga visible. Berger afirma que el dibujo es un documento autobiográfico que presenta el descubrimiento de un suceso, ya sea visto, recordado o imaginado. Por eso, esta propuesta no habla de lo que se rompe, sino de lo que queda. Y lo que queda es una pregunta: ¿quién rompió la silla? ¿por qué lo hizo? De aquí el título de la propuesta.
En cuanto a la técnica, al igual que en el caso anterior, utilicé rotuladores acrílicos sobre plástico adherido a la madera. Así pude intervenir sin dañar el suelo, pero trabajando con el mismo cuidado para conseguir la perspectiva que necesitaba mirando hacia abajo, como quien observa un recuerdo. Berger también decía que el dibujo exige coordinar y medir no por pulgadas, sino por ritmo y volumen. Esto fue sin duda lo más complicado y tuve que hacer varias pruebas en papel antes de conseguir lo que quería.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Huellas imborrables
Para la tercera propuesta presento un dibujo de pompas sobre un espejo que interrumpen su reflejo. Las pompas no flotan sino que forman parte del cristal como si fueran huellas de algo que ya pasó, pero que aún persiste. Elegí el espejo porque refleja y oculta a la vez. Al intervenirlo con rotuladores acrílicos, se convierte en una superficie donde lo real y lo imaginado quedan entrelazados, alterando la mirada. Este espejo ya no devuelve tu imagen sino que la mezcla con el recuerdo de lo que quedó flotando cuando te fuiste.
La técnica que he usado es acrílico sobre plástico adherido al vidrio para hacer la intervención sin que fuese permanente. Necesitaba trabajar con la transparencia de las pompas y las capas de unas sobre otras para que estas parecieran flotar sin romper la reflexión. La dificultad estuvo en equilibrar el color y el trazo para que no tapasen completamente el reflejo del espejo, sino que dialogasen con él complementándolo. Me basé en Brigitte Waldach que utliza trazos con voladuras y capas.

Elegí el título «Huellas imborrables» porque, aunque las pompas sean efímeras por naturaleza, en mi propuesta no lo son. Se han convertido en rastros y testimonios de lo que ya no está. Son huellas que no borran el tiempo, el agua o la ausencia de imagen a reflejar.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Parte 3. El cuerpo como huella.

En esta actividad se pide convertir el propio cuerpo, o una parte de él, en herramienta o soporte, de manera que sea parte tangible y conceptual del proceso creativo. Además, se pide ir más allá de la inmediatez de la huella dactilar y las marcas de las manos para explorar con amplitud las partes del cuerpo como generadoras de rastros.
Para las tres propuestas que hago me basé en la técnica de David Hammons y sus Body Prints, donde el cuerpo es la herramienta activa del dibujo. Para ello, elegí la vaselina por su textura grasa y su capacidad para marcar lo invisible. La técnica consiste en untar vaselina en la parte del cuerpo que voy a imprimir para, después, dejar que el peso, la presión, la tensión muscular y el gesto actúen. Los detalles de la huella resultante surgen sin estar planeados. Sobre esas huellas de vaselina, aplico tizas de colores que intensifican los matices y crean una tensión cromática que hablan de fuerza contenida, cercanía deseada y alcanzada o de miedo.

Pulso
En la primera propuesta presento una escena de fuerza contenida que registra dos brazos echando un pulso. En ambos, los antebrazos están en tensión, en el falso equilibrio que tiene el pulso. Con la técnica de vaselina y tiza de Hammons capturé el gesto de los antebrazos en tensión que, aunque no se aprecia del todo, creo que puede sentirse la competencia silenciosa a ver quién puede más.
Tuve que hacer varias pruebas para encontrar el punto justo entre la presión y la delicadeza para que luego la tiza de color no desbordase. La dificultad estuvo en conseguir que los colores azul y rojo no se mezclasen en las palmas de las manos y se transmitiese la sensación una mano sobre otra.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Beso
En la segunda propuesta presento el registro del acto íntimo que supone un beso como contacto, como presión y como transferencia. Es una rastro de contacto con dos caras que se tocan con los labios y la piel y que dejan en el papel la huella de ese momento. En este caso, unté vaselina en la parte de la cara que iba a imprimir y dejé que el cuerpo actuase porque, al frotar la cara contra el papel, lo que queda es una presencia. Las tizas azul y roja, aplicadas después sobre la huella grasa, intensifican los matices creando la tensión cromática que habla de cercanía deseada y alcanzada.
La dificultad estuvo en coordinar el momento del contacto ya que el beso no puede ser simulado ni repetido, al igual que el resultado no se puede corregir. La idea es que fuese real, breve e irrepetible. Tuve que experimentar varias veces hasta que conseguí lo que quería. Y eso fue lo más interesante porque el dibujo no nació del control, sino del abandono y el azar.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Miedo
En la tercera propuesta propongo un gesto físico de encierro. La cara, impresa en el centro, está dentro de sí misma. Los antebrazos, impresos rodeándola, se extienden hacia arriba y al centro como si fueran paredes invisibles. Simbolizan los límites que ponemos entre nosotros y el mundo en un gesto contención, como si el cuerpo estuviera informando de que este es su territorio y no puede ir más allá.
La dificultad en este caso estuvo en cómo colocar las distintas impresiones para luego espolvorear la tiza y coordinar el gesto. Este trabajo es el que más proporción de lienzo ocupa y tenía que asegurar que todo encajaría. En cuanto a la impresión de la cara, tuve que hacer varias pruebas para encontrar la velocidad justa a la que debía hacer la impresión para que la vaselina impregnase correctamente la imagen de la cara y quedase uniforme.

Este es el proceso de trabajo y el resultado final.

Reflexión final
Esta actividad ha sido sin lugar a dudas la que más me ha costado realizar de lo que llevamos de asignatura. No por la cantidad de dibujos sino más bien por las pruebas necesarias, experimentos, ideas desechadas porque no funcionaban o porque no conseguí que fuesen realizables con mis capacidades, nivel y entorno. Pero, a la vez, es con la que más he aprendido a utilizar todo lo que hemos visto en las actividades anteriores y, sobre todo, a investigar antes de ponerte a crear y a empezar con una idea pequeña sin saber a dónde vas a llegar o si será algo grande.

Esta actividad ha sido, sin lugar a dudas, la que más me ha costado realizar en toda la asignatura. No por la cantidad de dibujos, sino por todo lo que hay detrás. Las pruebas, los intentos fallidos, las ideas que tuve que abandonar porque no funcionaban, o porque estaban fuera de mi alcance por conocimientos técnicos, materiales o mi entorno. Hubo momentos en los que sentí que no avanzaba y que cada paso era un vuelta atrás. Pero ahí fue seguramente donde más aprendí.

Esta actividad me obligó mucho más a salir del dibujo como copia, como ejercicio técnico, y adoptar un papel de búsqueda. Aprendí a investigar antes de actuar, a planificar desde la incertidumbre de no saber a dónde iba a llegar, a empezar con una idea pequeña, a veces un simple un gesto, sin saber si me iba a conducir a alguna parte o si lo que quería transmitir sería visible para otros.

Y eso fue una liberación. Descubrí que crear es aceptar el camino aun sin tener claro el resultado. Me quedo con que muchas veces, lo más valioso no es el resultado, sino lo que cambias mientras lo haces. En estas actividades he visto cómo los errores se convierten en aciertos inesperados. Cosas que no salieron como quería, pero que me enseñaron a mirar desde otro punto de vista.

A lo largo de la asignatura he aprendido que el dibujo no empieza cuando coges el lápiz. Empieza cuando decides crear dejando un rastro que no sabes donde te va a llevar.

Hola

Os presento mi propuesta de Fanzine «Cronófagos».

La idea de este proyecto parte de la paradoja que sufrimos cada día sobre que vivimos rodeados de gente, pero nunca hemos estado más solos. El tema central es la soledad derivada de la esclavitud del tiempo, en el que este es el sistema opresor que rige nuestras vidas, rompe encuentros humanos y convierte las muestras de afecto en algo intermitente o casi imposible. Me interesa explorar cómo el ritmo que llevamos, y que nos hace ir siempre con prisa, siempre ocupados, impide el contacto de verdad con otras personas, incluida la familia, y cómo ese deseo de conexión se convierte en un gesto frágil que está muy condicionado por circunstancias externas.

Para tratar este tema, he elegido el formato fanzine por su potencial crítico y su carácter íntimo, personal y libre. Lo he titulado Cronófagos, jugando con la idea de que el tiempo no solo pasa, sino que devora lo que realmente nos hace humanos, como es el abrazo, la mirada o un silencio compartido. El fanzine tiene 8 páginas y un póster interior, dibujados con tres colores: negro, rojo y azul. Esta elección técnica de colores no es solo decorativa. Bajo una luz normal, el lector verá una narrativa gráfica similar a la de cualquier fanzine. Pero al iluminarlo con luces rojas y azules alternas, ciertos elementos del dibujo parecerán moverse o desaparecer y se crea una pequeña animación visual que refuerza el mensaje. Esta estrategia permite que el dibujo, en cierto modo, salga del papel y se transforme en una experiencia sensorial, donde el espectador no solo lee, sino que vive la tensión.

Lo entiendo como un proyecto de intervención crítica, aunque tenga cierto toque de dibujo bidimensional expandido, en el sentido de que el dibujo ya no es estático, sino que se activa bajo condiciones específicas de visibilidad. El dibujo se convierte en una herramienta que cuestiona un aspecto de la sociedad. Al combinar ilustración, experimentación con colores y juego de luces, el proyecto se mueve entre el arte gráfico, el cómic y una instalación mínima. De hecho, podría dibujarse cada página del fanzine en paneles enmarcados con luces LED rojas y azules alternas que hagan el efecto de animación, aunque la instalación sería más compleja y se perdería la capacidad de distribución que ofrece el formato fanzine.

La socialización del tema será directa, repartiendo copias del fanzine en espacios cotidianos como parques, bibliotecas, universidades y centros sociales y, además, compartiré videos del efecto de luz en redes sociales, siguiendo la idea del artículo de Víctor Lenore según la cual es mejor difundir los contenidos desde la calle o Internet que desde un museo, aunque este sea prestigioso.

En cuanto a referentes, me inspiro en Isidro López-Aparicio, quien utiliza el dibujo como una forma de autoafirmación en contextos precarios y en la noción de arte como proceso colectivo, donde el papel del artista es facilitar sin imponer. También me acerco a la idea de Rogelio López Cuenca, para quien el arte es útil por su capacidad de ser un problema, más que una solución, y de actuar como un campo de batalla simbólico; Patricio Forrester, cuyo trabajo en arte público y participativo busca mejorar la vida de quienes viven en situación de adversidad; y en Martha Rosler, cuya crítica al arte institucional me sirve para saber sobre dónde y cómo debe circular un mensaje político. A partir de estos referentes, he tratado de buscar una buena pregunta para que el fanzine sea la forma de hacerla.

Os dejo el proceso y un vídeo para que podáis ver el efecto con las luces. ¡Espero que os guste!

Salu2

Luis

Hola

A continuación presento mis propuestas.

3.2.3 Relato y lenguaje

Poesía visual: La prisión de los recuerdos.

En esta actividad se pide utilizar la metáfora para crear un poema visual para expresar un concepto. La idea que pretendo transmitir es que guardamos nuestra historia en compartimentos herméticos. Cada recuerdo tiene una llave y, en ocasiones, esa llave se pierde, por lo que también perdemos el acceso a esos recuerdos.

Como referente, he usado a M.C. Escher porque con sus obras crea mundos y situaciones propias de los sueños, engañando nuestra percepción. En mi propuesto utilizo una cabeza humana de perfil, con una cerradura en el lateral que representa al cerebro como un espacio donde guardamos los recuerdos bajo llave. Son como secretos que solo se pueden abrir con la llave adecuada. Por esta razón, hay un conjunto de llaves de estilo antiguo colgadas del llavero. He elegido este estilo de llave porque son un elemento que conecta directamente con el pasado.
Cada una de las llaves está marcada con un año que da acceso a un conjunto de recuerdos. En la representación faltan llaves correspondientes a algunos años que tratan de simbolizar la fragilidad de la memoria y la selección consciente de lo que queremos recordar y de lo que queremos borrar, perdiendo la llave.
La llave negra representa esos recuerdos que no se pueden olvidar, pero que tampoco se pueden recordar sin dolor. Por esta razón, la cabeza humana tiene un semblante serio y los ojos cerrados.

He usado la técnica de la acuarela porque puedes difuminar los bordes y hacer transparencias, lo que me sirvió para reforzar la idea de la falta de nitidez de la memoria.

Historieta: Lo que se quedó sin decir

En esta actividad se pide sintetizar un tema de no ficción en una historieta de cómic autoconclusiva de una página. Siguiendo con el tema de los recuerdos de la actividad anterior, he querido plasmar en un cómic la conexión con mi abuela, fallecida en 2005, y que vivió en casa conmigo desde que tengo recuerdos. Fue y es muy importante para mí y siempre la tengo presente.

Para este cómic he usado a como referente a James O’Barr, creador de la serie de cómics «The Crow». Es autor con estilo gótico, melancólico y sus cómics tratan sobre el dolor por una pérdida y cómo lo gestionan sus personajes.

En mi propuesta hablo del amor que persiste más allá de la muerte. Es una historia de palabras no pronunciadas, consejos no recibidos y de cómo la vida continúa sin todo lo anterior. En la historia se ve al protagonista que sigue un ritual que le sirve para mantener viva a la persona que ya no está. Escribir es un acto para seguir hablando con ella de alguna manera. Las rosas son la única nota de color y simbolizan lo que persiste al paso del tiempo. El personaje siempre está a contraluz o de espaldas para simbolizar intimidad. En la última viñeta aparece quien es especial para mí, pero el cómic trata de que cada lector piense en el nombre que pondría a esa lápida y por quién haría el ritual. 

Para esta actividad utilicé un folio de 80 gr DIN-A4, rotuladores 0,03 y 0,3, rotuladores de alcohol y tinta india.

Relatograma: M.C. Escher

En esta actividad se pide elaborar un diagrama de la obra o proyecto de un o una artista. En el diagrama deben quedar representados aspectos que sirvan para comprender mejor su trabajo, como su contexto, los temas que trata, los materiales y técnicas que utiliza, qué tipo formas toma, cómo difunde su arte, qué disciplinas utiliza y sus referentes.
He elegido a M.C. Escher porque es un autor interdisciplinar que se sitúa entre dos disciplinas que me gustan mucho: el arte y las matemáticas. Los referentes que he usado en esta actividad han sido Clara Tanit y Mike Rohde, autor del libro «The Sketchnote Handbook: The illustrated guide to visual note taking».

Para esta actividad utilicé un folio de 80 gr DIN-A4 y rotuladores de colores y de distintos grosores. Elegí este tamaño porque cuanto mayor es el espacio disponible para dibujar más tiendo a incluir detalles en los dibujos y ese no era el objetivo de la tarea. 

Reflexión

He disfrutado y aprendido mucho haciendo esta actividad porque casi nunca había utilizado el dibujo para representar sentimientos o conceptos abstractos. Hasta ahora, estaba acostumbrado a dibujar lo que veía o imaginaba, pero siempre cosas «tangibles». Esta actividad me ha abierto todo un mundo de posibilidades que complementan al dibujo. Tanto en la poesía visual como en el cómic he podido comprobar que cuando un concepto no lo puedes expresar con suficiente detalle usando palabras, dibujarlo o crear una historia a su alrededor puede hacer que quien vea el resultado se acerque más a lo que quieres transmitir. En cuanto al relatograma, es algo que había usado en mi vida profesional, pero no en la académica del instituto o universidad, donde podría haberle sacado mucho más partido.

Salu2

Luis

Hola

A continuación presento mis propuestas.

3.2.1 Desplazamiento del significado

Objetos cotidianos

En esta actividad se pide buscar tres objetos del entorno cercano y hacer una reinterpretación de su significado para que este se desplace, del mismo modo que hacen artistas como Christoph Niemann o Vincent Bal. El objetivo es utilizar el dibujo para desarrollar el pensamiento metafórico mediante la observación crítica y la transformación visual del entorno cotidiano.

Para realizar esta actividad, he elegido dos capuchones de plumas, el recipiente de plástico que guarda el juguete en el interior de un huevo de chocolate y el cabezal de un cepillo de dientes eléctrico. El referente principal en quien me he basado ha sido Christophe Niemann.

¡Auxilio!

Los dos capuchones de pluma se convirtieron en las dos bombonas de oxígeno que lleva un submarinista en la espalda. Pero esta vez, una de ellas tiene una pérdida y el aire se escapa poco a poco.

Los materiales utilizados son un folio de 80 gramos con formato DIN-A4, portaminas 3H para el boceto, pluma para definir los contornos y rotuladores de alcohol para el color.

El envoltorio que decide recoger lo que otros tiran

En esta ocasión, el recipiente que contiene el juguete de un huevo de chocolate se convierte en un robot papelera. 

Igual que antes, los materiales utilizados son un folio de 80 gramos con formato DIN-A4, portaminas 3H para el boceto, pluma para definir los contornos y rotuladores de alcohol para el color.

El blanco que quieres para tus dientes

En la última propuesta, un recambio de cepillo de dientes eléctrico se convierte en un telescopio para mirar la Luna. 

El material utilizado ha sido una cartulina azul de 160 gramos con formato DIN-A4, un lápiz de carboncillo blanco para hacer el dibujo y rotulador acrílico para los contornos.

Collage

En esta actividad se pide compartir la imagen de un objeto y combinarla con otra de las propuestas por el resto de compañeros para combinarlas en un collage que cuente una historia. Los referentes que he utilizado para desarrollar la idea de mi propuesta de collage son Mari Fouz y Joan Brossa.

He titulado al collage «Naturaleza reconstruida». Es una propuesta que no mira a la naturaleza como es sino que incita a reflexionar sobre como la miramos nosotros.

3.2.2 Expresión en movimiento

Fotografía

En esta actividad se pide elegir una fotografía que forme parte de mis recuerdos  y transformarla a través del dibujo encima de la propia fotografía impresa.

En la fotografía original aparezco abrazando a mi hijo en el mar. Han pasado 17 años desde ese momento y el niño ya no necesita ser sostenido. En la izquierda me he dibujado yo para representar el pasado en una línea de tiempo. En la derecha sitúo a mi hijo porque es el futuro En el centro está el barco que simboliza el presente compartido.

Imprimí la fotografía original en un folio DIN-A4 y utilicé un rotulador de alcohol color turquesa para oscurecer el fondo. Para hacer los dibujos utilicé un rotulador acrílico blanco.

Gesto y trazo

En esta actividad se pide representar el gesto y movimiento de un animal, un objeto y una forma abstracta.

Animal: el gorila

He hecho un gorila en dos posiciones porque no me decidía del todo: una andando y otra más explosiva. Ambas con rotuladores.

Objeto: avión de papel y pelota de beisbol

Para el objeto tampoco me decidía. Hice primero un avión de papel y después una pelota de beisbol lanzada desde el fondo. Ambas con rotuladores.

Forma abstracta

Para la forma abstracta he elegido una composición con colores con técnicas húmedas. Esta actividad ha supuesto un reto importante al ser mi primera aproximación al arte abstracto. Estoy acostumbrado a pensar que el arte debe ser reconocible, pero el arte abstracto no sigue estas reglas.

Figura humana

Para representar el movimiento de la figura humana he elegido una secuencia de una gimnasta saltando hacia atrás. He usado rotulador 0.7 y rotuladores de alcohol en folio DIN-A4.

Reflexión

He tenido varios retos en esta entrega. En algunos casos porque no he podido decidirme. En otros, como el abstracto, porque es algo que nunca había hecho. Pero he aprendido mucho con el proceso analizando los distintos referentes en los que me he basado para cada una de ellas y ahora veo el arte con unos ojos distintos de aquellos con los que lo miraba cuando empezamos. Reconozco que tenía una visión bastante limitada y esta práctica me está sirviendo para ampliar horizontes.

Salu2

Luis

Actividad de proyección

3.2.3 Proyección

En esta actividad se pide hacer sketchs rápidos de paisajes urbanos, una perspectiva cónica de uno de ellos con dos puntos de fuga y dos perspectivas axonométricas de una silla plegable, una abierta y otra cerrada.

Sketchs

A continuación, presento cuatro dibujos en DIN-A4 a lápiz, pluma y rotuladores de alcohol. La situación es un parque en mi barrio donde está la iglesia.

Cónica con dos puntos de fuga

De los bocetos, elegí el último para hacer la perspectiva cónica con dos puntos de fuga porque se prestaba más para ello. Para poder situarlos utilicé dos folios adicionales.

Axonométrica

Para este ejercicio utilicé una silla plegable real. El primer paso fue dibujar un prisma para encerrar el volumen de la silla. Las dimensiones del prisma están a escala con la silla, aunque luego los detalles de la silla ya no guardan la proporción como me habría gustado. Para dibujar las dos visas de la silla utilicé dos hojas de papel milimetrado tamaño A3 y un portaminas 0.5 con mina HB.

Silla abierta

Silla plegada

Reflexión personal

Esta actividad ha supuesto para mí un reto de alto nivel. Ya en la primera entrega pude ver las carencias que tengo para hacer una composición en la que los objetos guardan proporción unos con otros, tanto dibujando de memoria como con un modelo delante de mí. Hasta ahora, mi relación con el dibujo eran personajes en distintas posturas, pero sin ningún fondo ni interactuando con él. Muy pocas veces he dibujado objetos en el fondo acompañando al personaje. Esta actividad en el exterior ha sido especialmente complicada porque tenía que elegir la vista que iba a dibujar, la altura de la línea del horizonte y, una vez más, he visto la importancia de las figuras geométricas iniciales para poder conseguir proporciones correctas.

Añadido a lo anterior, he visto que el tipo de papel utilizado (folio normal, 80 g DIN-A4) no ha sido la mejor opción para algunos de los rotuladores de alcohol. Algunos de los colores tendían más a fluir que otros y el color desbordaba la zona en la que quería aplicarlos. Puede ser que algunos de los rotuladores tuvieran más alcohol que otros en la punta y eso ha hecho que me pasase con unos sí y otros no.

Con todo, el mayor aprendizaje que me llevo de esta actividad (además de practicar la perspectiva y proporciones) es la confirmación de la sensación que supone dibujar al aire libre y que sintetiza Holmes (2014) diciendo que la principal atracción de dibujar en la calle es buscar cosas que merezca la pena dibujar, abriendo una mentalidad en la que el día a día forma parte de una aventura artística mayor. El libro de Holmes me ha ayudado en esta actividad a tratar de aterrizar un poco qué podría dibujar cuando fuera ves tanto detalle en el que es fácil perderse.

Referencias

Holmes, M. T. (2014). The Urban Sketcher: Techniques for Seeing and Drawing on Location. Penguin.

Actividades de Observación y composición

3.2.1 Observación

En esta actividad se pide observar atentamente durante 1 a 3 mi un paisaje, bodegón u objeto familiar para, sin mirar el referente, hacer un dibujo de memoria. El objetivo es ejercitar la atención y la memoria visual.

A continuación, presento tres dibujos en DIN-A4 a lápiz. Son tres espacios en los que, por motivos diversos, paso bastante tiempo. Por esta razón, he podido retener cierto detalle.

1. Representación de mi escritorio.

2. Representación del cuarto de mis hijos mayores

3. Representación de mi cocina

3.2.2 Composición

Para esta actividad fabriqué un visor, aunque no coloqué los hilos vertical y horizontal. Utilice un portavelas, una rosa de Lego y un muñequito estilo Funko del Doctor Strange.

He realizado cuatro composiciones diferentes con los tres objetos y he realizado cuatro encajes rápidos en DIN-A4: 10 minutos, 5 minutos, 3 minutos y 15 segundos. Todos fueron realizados con lápiz 6B.

1. Encaje en 10 minutos.

2. Encaje en 5 minutos.

3. Encaje en 3 minutos.

4. Encaje en 15 segundos.

De estos encajes, elegí tres para hacer los cuatro dibujos finales. Los materiales utilizados fueron carboncillo, tinta y pluma.

1. Composición con lineas y manchas a tinta y pluma.

2. Composición con luces y sombras a carboncillo.

3. Composición con texturas y trama a pluma.

4. Composición en negativo con trama a pluma.

Reflexión personal

Este ejercicio ha supuesto una reflexión sobre la diferencia entre dibujar lo que ves con los ojos y lo que ves «con el cerebro». El proceso de dibujar obliga a que analices el objeto, lo dividas en partes pequeñas y las unas de nuevo en tu cerebro. Para entender esto es muy interesante el capítulo «Dibujo del natural» de Berger (2013) en el que habla de la influencia del cerebro, como proceso mental, a la hora de dibujar.

Por otra parte, la ansiedad por querer tener un dibujo completo en todos los casos es incompatible con los encajes rápidos. Reconozco que esto ha supuesto cierta ansiedad por no saber si lo que había hecho era suficiente o lo que se esperaba de la actividad. En este sentido, Ching (2024) habla de que el dibujo por especulación relacionado con la técnica del encaje rápido busca estimular el pensamiento y analizar el espectro de posibilidades. Esto es muy importante para entender la importancia del boceto y que es un tanteo, un proceso de ensayo y error, que forma parte del proceso creativo.

El aprendizaje que me llevo de esta primera parte es que necesito entrenar mi capacidad de observación del detalle, hasta el más pequeño, para ser capaz de simplificar lo que veo e ir construyendo mi dibujo desde lo simple a lo complejo.

Referencias

Berger, J. (2013). Sobre el dibujo. Editorial GG.

Ching, F. D. (2024). Dibujo y proyecto: Tercera edición ampliada. Editorial GG.

Hola

Comparto mi entrega de la actividad Tablón exploratorio con ocho texturas, seis dibujos sobre posturas y movimiento de animales y dos degradados.

Salu2

Luis